Atlante7

Hermano sol, hermana luna.

2012-01-14T12:08:00.006Z

…el uso de los silencios en la música es el gran secreto. Ser sencillo en el arte no es fácil. Donovan. Fuente: Entrevista online con Donovan 09/06/2011. Canarias7.es).

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Representación de Francisco de Asís.
Fresco de Cimabue en Basílica de Asís.

...Fue allá por los años Noventa cuando vi por primera vez una película de valiosa banda sonora que pasó un poco desapercibida en la cartelera y en el ambiente más cinéfilo; interpretada y compuesta por el cantautor escocés Donovan: Hermano sol, hermana luna (Franco Zefirelli. -1972-) sobre la vida de Francisco de Asís, integrada por canciones de un estilo folk espiritual acorde con las luces y sombras de una expresiva fotografía, su ambientación y vestuario, sus bucólicos paisajes y estampas primaverales de un colorido celestial y paradisíaco, propio de localizaciones afines con la historia de este bello e infravalorado film de los Setenta; ...sus pictóricas imágenes de lirismo sensible y poética sencillez, en las que se contrapone la asfixiante opulencia de atuendos y pétreas edificaciones de una sociedad medieval, frente a los olvidados y oscuros espacios del hambre, la explotación y el trabajo penoso, la enfermedad y la miseria, ... un inframundo más distante de la luminosa y soleada presencia de la Naturaleza en la panorámica vista de mantos de flores y amplios prados de biodiversidad; todos los aciertos de un estudiado guión y dirección que logra revivir, de forma bella y convincente, el renacer, el despertar y la resurrección de un hombre agobiado, malherido y lastrado con las visiones de la guerra y la injusticia, la fría pasividad, el violento egoísmo y la soberbia... todo ese dolor y toda esa vida que pudo sentir y escuchar Francisco de Asís tras el regreso;... tan genialmente interpretada por el protagonista y por todo el reparto, en la sensible atmósfera de una música bien imbricada con los mejores instantes de cada escena, y que contribuyó a mostrarnos el talento de un cantautor sincrético y espiritual, autor de canciones originales de aquellos años –casi protagonizados en el recuerdo de los Beatles-, y cuya música -fusionada con estilos del jazz, rock y étnica- ha influido en otros compositores de aquella época tan renovadora.

Quizás por la temprana edad a principios de los 80, el boom de los mass media, el atractivo de videoclips que al final nunca terminaron por ensombrecer tanto la radio, con sus etéreas ondas de canciones adherentes y fugaces, y la premura cotidiana por asuntos otrora más inmediatos..., algunos no fuimos en principio muy conscientes de valiosos legados que nos dejó la década de los Sesenta-Setenta: la música de cantautor, el folk, los auténticos precursores de la mejor música pop y rock, con la que aprendes a escuchar sin condicionarte por listas de ventas, programas ni modas imperantes.

Donovan. (Wikipedia)

Aquí en Canarias, muy de vez en cuando nos favorece un poquito la suerte, despertándonos de una extraña inercia o letargo, y podemos contar la oportunidad inconmensurable de acudir a un concierto (el pasado 9 de junio de 2011) de un artista mítico, un veterano poeta de la música folk: Donovan (Colours, Catch the wind, Turquoise, Sailing homeward, Legend of a Girl Child Linda, Celeste...) sin efectos especiales ni monumentales decorados, en el caluroso recinto de la Sala Nueva del Auditorio Alfredo Kraus, con todo el sencillo poder de una guitarra acústica, la espiritualidad en la poesía del sonido y la palabra, reviviendo por unos instantes el verdadero y ecléctico folk-pop-rock en la percusión, teclados y cuerdas de canciones como Jennifer Juniper, Sunshine superman, Hurdy gurdy man, Barabajagal... y... Atlantis.

Sincretismo musical.

2011-11-18T19:56:00.010Z

Háblame de la existencia de mundos lejanísimos, de culturas sepultas, de continentes perdidos...

(Franco Battiato. No time no space. Ecos de danzas sufí, 1985. - Mondi lontanissimi, 1985).

…No sirven excitantes ni ideologías, se quiere otra vida.

(F. Battiato. Otra vida. Nómadas, 1987. Orizzonti perduti, 1986).

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Fue a mediados de los Ochenta, cuando en un programa radiofónico de fin de semana, escuché una canción de un músico desconocido en un estilo de sincretismo musical elegante y sutilmente contestatario: sin asemejarse a las más novedosas fusiones de géneros o estilos, en aquella canción se distinguían resonancias de música clásica y tradicional, una meditada combinación de acústica y electrónica en melodías muy sugestivas, coreadas por voces líricas y armonías celestiales, y letras poéticas de contenido filosófico, sembradas de referencias culturales, mensajes alegóricos y evocaciones místicas...; eran obra del cantautor Franco Battiato, que ya había publicado varios discos de reconocido éxito en su país y comenzaba a popularizarse en España con los recopilatorios: Ecos de danzas sufí (1986 ) y Nómadas (1987) –en español-...

Franco Battiato nel 1972. -it.wikipedia.org.-

Me interesé por su obra y su experiencia musical, escudriñando sus trabajos precedentes hasta que, tras un oportuno e imprevisto viaje a Italia, conseguí profundizar en el conocimiento de su etapa inicial de experimentación, más ignorada por el gran público; pues aquí no se comercializaban discos de su primera época de los Setenta, compilatorios de sus históricos: Fetus -1971-; Pollution -1972- (la mecánica de los motores y el misterio de la existencia confluyen en Pollution con las evidentes alusiones, de la canción Beta –y de su estratificada y deshumanizada sociedad, a la novela crítica de ciencia ficción Un mundo feliz de Aldous Houxley), Sulle corde di aries -1973- y de “Clic” -1974-: en el período vanguardista del rock progresivo; ...y en aquel itinerario también conocí sus composiciones de música contemporánea, Juke box y L‘Egitto prima delle sabie -1978-, así como su primera ópera: Génesis -1987-, estudiando su trayectoria hasta nuestros días.

El vanguardismo musical no irrumpió tan súbitamente en el rock y pop de los Setenta, se presentó desde una reverberación de la música electrónica que no muchos compositores han logrado personalizar ni adaptar, ni se les ha reconocido como merecen.

La incursión de Franco Battiato en la música electroacústica, le abrió nuevos horizontes hacia las vanguardias musicales en la senda de la experimentación electrónica; y ese tránsito, la búsqueda de un músico cultivado y fascinado por la mística oriental y las tradiciones culturales, la ópera y la música clásica y antigua, le ha permitido forjar una insólito estilo de sincretismo y personalidad, desde aquellos días en los que comenzó a usar el sintetizador VCS3; una etapa olvidada o no tan divulgada en los medios audiovisuales, quizás porque el resonante éxito de la música ligera-pop de los Ochenta y Noventa, ha nublado un poco la difusión o el conocimiento de la evolución musical de este singular cantautor, músico, pintor y director de cine, nacido en Jonia, provincia de Catania, Sicilia.

Synthesizer, Electronic Music Studios Synthi VCS3 II (1973)
Musikinstrumentenmuseum Berlin.

Entre su variada y amplia producción sería complicado seleccionar su mejor disco, o confeccionar una recopilación de sus mejores canciones, porque sus diferencias aportan mucho más que música y poesía; hay un repertorio de canciones y piezas musicales no tan divulgadas en listas de éxitos ni compilaciones discográficas; ...de su etapa 78-90 recuerdo una canción muy enigmática (además de su letra pacifista: “.../'ccu tuttu ca fora c'è 'a guerra mi sentu stranizza d'amuri... I'amuri/...”) que nos traslada a la tierra del Etna, a Sicilia, al Mediterráneo más intercultural, misterioso, nostálgico y extraño: Stranizza d’Amuri (L’era del gingiale bianco, 1979 –música: F. Battiato y Giusto Pio; letra: F. Battiato) en siciliano: el arpegio de los violines en sintonía con la voz de la soprano de fondo y el ritmo genial, que parece fundirse en un remoto cielo colmado de luminosas estrellas, o en el horizonte de un inmenso y profundo mar, las reminiscencias étnicas de la percusión...(eco de sus melodías previas en “Agnus”, Juke Box -1978-), es como una fotografía intimista y nostálgica en una atmósfera plena de sincretismo, con una voz y un sonido muy poético y extrañamente espiritual; ...su música nos invita a mirar con otra perspectiva, sugiere una nueva conciencia, una esperanza de paz y creatividad en medio de la vorágine consumista, de las modas despersonalizadas, de las ambiciones y la silenciosa o ruidosa violencia cotidiana.

Goodbye Seventies.

2011-10-10T19:11:00.022+01:00

(Goodbye 70's, es una de las canciones emblemáticas del álbum Upstairs at Eric's -1982-: primer disco del dueto Yazoo –dúo inglés de synth-pop de aclamado éxito a principios de los 80-, integrado por Alison Moyet y Vince Clarke, autor de la célebre “Only you”, también popularizada en la versión del grupo vocal The Flying Pickets).

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Sin pormenorizar los detalles del proceso memorístico, del claroscuro paisaje de la memoria y sus pensamientos asociados en el mecanismo del recuerdo; en el sendero de la experiencia y del aprendizaje, se asimila y se recuerda mejor lo que se descubre por espontáneo interés no impuesto ni forzado, a diferencia de todo aquello que se adquiere de forma obligada y sistemática (...las lecciones aprehendidas por un autodidacta merecerían un capítulo aparte).

Franz Schubert
by Wilhelm August Rieder, 1875.

Y así me sucedió cuando comencé a conocer la música clásica y la ópera con mayor motivación que la de acrecentar el bagaje cultural; aunque se intuía más elegante la audición de composiciones de la denominada música culta que las de música popular de moda, incluída la no tan efímera; escuchar por ejemplo: Los Conciertos de Brandeburgo de J. S. Bach, la Sinfonía Júpiter –la 41- de W.A. Mozart, los Lieder de Franz Schubert, el Nabucco de Giuseppe Verdi, Turandot o La Bohème de Giacomo Puccini..., luego confirmas que la sola experiencia de escuchar música supera el vano y simple aliciente de acreditar conocimientos en una tertulia, y que los gustos musicales no son incompatibles ni programables.

Pero en aquellas tardes ilusas y electrizantes, también hubiera conversado sobre una música seductora, misteriosa: el rock progresivo de los 70, cuya complejidad artística en principio resultó algo confusa para un adolescente más fascinado por el techno-pop creativo y accesible (OMD, Yazoo, Visage, Ultravox..., sin haber oído siquiera nombrar a Kraftwerk, pioneros de la música electrónica que tanto influyeron en la música pop) que por el resto de la pasajera New Wave; descubriendo la música de décadas anteriores como si escuchara canciones al azar en una vieja Gramola, un luminoso y solitario Jukebox que alteraba el silencio de un bar o el tenue murmullo de un modesto restaurante de periferia...: El rock de Elvis, Jimmy Hendrix, The Beatles, Bob Dylan, Rolling Stones, The eagles, Cat Stevens…; más impresionado por la ópera rock Jesucristo Superstar que por el disco de Fiebre del sábado noche o el musical Grease, ...por el walkman la música discurría en el paso visible de una frágil cinta magnética. Simpatizaba con las baladas románticas de Abba más que con la música disco, y al estridente rock duro, prefería el ritmo jamaicano del Reggae de Bob Marley, Eddy Grant, UB40, Police...

...Ya conocía los efectos especiales de aquel álbum de Pink Floyd, “The wall” (1979), sus melancólicas guitarras de lamentos deprimentes, clamores de protesta contra la guerra y la excesiva rigidez de la más anticuada educación británica, el maltrato psicológico y sus secuelas- (fielmente reproducidos años después en la homónima película dirigida por Alan Parker -1982-; espectáculo de imagen y sonido comparable o sólo superado por los actuales macroconciertos a tres décadas del estreno del doble álbum).

Teclado electrónico.

Sin embargo, el primer álbum de verdadero rock sinfónico que recuerdo haber escuchado (en los Ochenta) fue “Selling England by the pound” (1973) de Genesis: álbum de la etapa más gloriosa del grupo -la de Peter Gabriel-, formado por imaginativas piezas musicales que traspasan los confines de lo psicodélico, aventurándose más en la experimentación electroacústica, en el cobijo de una fluida serie de melodías encadenadas en aparente improvisación, estructura sinfónica y ribetes de clasicismo modulados por sintetizadores, en el que predominan guitarras eléctricas y teclados, acompañadas por bajos y percusiones de amplio registro. Aunque sus admiradores suelen encumbrar "Dancing with the moonlit knight", en la composición de “Firth of fifth” (Banks / Rutherford) se armonizan increíblemente los teclados de Tony Banks, el sonido más clásico de la flauta travesera interpretada por Peter Gabriel, la mejor guitarra de Steve Hackett, y la batería más creativa de Phil Collins; sus giros y cambios de ritmo en estudiadas cadencias y melodías, lograron convertirla en una de las canciones más representativas del álbum y del Rock sinfónico, expresión sublime de su inventiva musical y del virtuosismo de músicos de excelente calidad en la mejor época de este grupo británico.

Secuoyas en el Parque Nacional Redwood (Estados Unidos), donde se rodaron escenas de la luna Endor. -Star Wars. Epidose VI. 1983-.

Pero el transcurso de los años disipa los halos de misterio y novedad, atemperando la originaria fascinación por este género tan creativo y revolucionario: el rock progresivo y sinfónico (estilos nacidos en plena era de la protesta, en los prolegómenos de la revolución tecnológica y el auge paralelo del cine de ciencia ficción: El tiempo en sus manos, La máquina del tiempo, -1960-, 2001. Una odisea del espacio -1968-, El planeta de los simios -1968-, Solaris -1972-, La fuga de Logan -1976-, La guerra de las galaxias. -desde 1977- Episodio IV: Una nueva esperanza, Encuentros en la Tercera Fase -1977-, Star Trek La película -1979- -serie de TV en 1966, Alien el octavo pasajero -1979-, Tron -1982-, Blade Runner -1982-, E.T. El extraterrestre -1982, Brainstorm 1983-, Dune -1984-...).

Y en la relativa distancia del tiempo, al profundizar más en sus detalles compositivos, emergen los matices marcadamente melancólicos y oníricos de sus fragmentos de melodías en altibajos e in crescendo, extendiéndose en una espiral melódica que a intervalos puede transmitir una sensación de pronunciado desencanto, hastío vital o desasosiego, no precisamente seductor ni relajante, lo que tampoco le menoscaba su interés ni su calidad musical.

Aquel tránsito desde el breve atisbo -a los destellos más populares de la innovación sonora y electroacústica- hacia la lectura más atenta de la evolución musical de aquellos años, cuando al encender la radio escuchabas ecos emuladores de vacuas modas del momento… fue lo que me orientó quizás al refugio, a la búsqueda de la ingenuidad en la música de cantautores, y luego por los senderos del folk, country, música étnica, new age, celta, fusión de estilos, (también música indie y rock alternativo), la historia de la música clásica y antigua...

Balcones Antiguos.

2011-08-27T13:00:00.010+01:00

...

La fábrica reciente de los ruidos modernos

le merma, poco a poco, su antiguo poderío.

–Entre ambas hay un seco cauce, que en los inviernos

tiene sus moderadas ilusiones de río.–

.../...

Tomás Morales. El barrio de Vegueta. Las Rosas de Hércules.

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Balcón en calle Herrería, Casa de Colón.

Tras un invierno de cálido viento sin golpes de mar, caminaba por viejas calles de caminos desandados, cruzando esquinas bajo sombras de balcones antiguos, divisaba el dibujo del agua sobre las piedras, lugares propicios para algún inesperado reencuentro en la antigua ciudad, la breve ciudad sin miradas esquivas ni saludos telepáticos, a leves pasos del puente fronterizo a la iluminada metrópolis, donde el olvido se difumina en lejanas canciones o palabras gastadas en raídas notas... versos de aprendiz de poeta, frases perdidas entre páginas de estudiante:

“En el rostro vacío de las calles / despertó la brisa de abril...”.

Casa de Colón. Plaza del Pilar Nuevo.

...Aquellos días en los que vivíamos aún sin móviles ni redes electrónicas, y resultaba muy vanguardista escuchar un día Música de Cámara y al otro videoclips de synth-pop o distante rock sinfónico, esbozando versos blancos en el blanco roto del papel reciclado.

Cuestión de palabras.

2011-07-10T11:50:00.009+01:00

La palabra es mitad de quien la pronuncia, mitad de quien la escucha. Michel Eyquem de Montaigne. (Fuente: Proverbia.net).

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La capacidad lingüística se ha preconizado siempre como uno de los atributos más ventajosos de la especie humana, un sistema de signos lingüísticos mediante sonidos articulados y símbolos escritos que nos permiten comunicarnos pensamientos, ideas, emociones… un lenguaje propio que aún hoy se insiste en esgrimir como una diferencia cualitativa frente al resto de las especies animales…

Delfín Nariz de Botella (Mular). A dolphin surfs the wake of a research boat on the Banana River. Near the Kennedy Space Center. -NASA-. -From Wikipedia.

Pero en este siglo de avanzados desarrollos en la etología, la investigación del comportamiento animal, conocemos que los delfines utilizan un sistema de lenguaje complejo, más evolucionado que la emisión de una serie de sonidos para expresar estados de ánimo; estos hábiles cetáceos usan la comunicación táctil, visual y sonora con señales distintas enlazadas y frecuencias por cuyo misterio aún continúan en estudio, suscitando admiración e interés motivado por la pasmosa facilidad para el aprendizaje y la intercomunicación que muestran estos peculiares mamíferos marinos, además del acercamiento, la confianza y amistad que nos brindan, sobre la que se han hallado pintorescos vestigios en la Historia del Arte: detalle decorativo en frescos (Fresco en el palacio de la Reina, en Knossos, en el que se representan delfines listados), cerámica griega en períodos Minoico y Arcaico (Ej.: Kílix sobre Dionisos navegando entre delfines) y en mosaicos griegos y romanos –Ej.: Mosaico de la Casa de los Delfines en Delos, isla de las Cícladas, Grecia-.

...Delfines oceánicos, vívidos compañeros de viaje en la extensa travesía marina de la historia de la humanidad, ejemplares bellísimos e inteligentes no siempre correspondidos en su generoso afecto y su amistad.

Exequias, pintor y ceramista ateniense del siglo VI a.C. representó al dios Dionisos en una embarcación navegando entre delfines en un Kílix (copa poco profunda y con dos asas) ático de figuras negras, h. 530 a. C. Proveniencia: Vulci. -Fuente: Wikipedia-.

Igual de reveladoras han sido las conclusiones de los estudios más recientes de psicología comparada en chimpancés (Ej.: *el estudio realizado por el matrimonio estadounidense Deborah y Roger S. Fouts, que continuaron los trabajos de investigación de Allen y Beatrice Gardner), en primates que han logrado superar las expectativas al aprender a comunicarse por lengua de signos, e incluso llegar a transmitir estas enseñanzas; demostrándonos que la comunicación lingüística no es un privilegio exclusivo de los humanos, y estamos más relacionados con los animales de lo que muchos todavía piensan… ¿Es tan sólo una necesidad social de convivencia de nuestra especie, lo que nos motiva para exteriorizar nuestros deseos, alegrías y pesares, esa carencia tan humana de la comunicación y la compañía, en una sociedad que huye del sentimiento de soledad...?

Bonobo (Pan paniscus). Chimpancé pigmeo.
Photo taken by Kabir Bakie at the Cincinnati Zoo September 5, 2005. Fuente: MorgueFile.
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Una eficaz y pacífica comunicación puede favorecer las relaciones humanas, ayudarnos a resolver enredos o evitarlos, nos ahorra tiempo y puede incluso mejorar la predisposición de quienes nos escuchan; aunque no podemos olvidar que para comunicarnos adecuadamente sería preciso conocer bien los medios de este lenguaje, sus posibilidades y sus límites.

El sonido en las palabras difiere según el idioma y su matriz lingüística; las palabras expresan mensajes, imágenes y sentimientos…, pero su fonética –también condicionada por su pronunciación- posee una propia sonoridad que les dota de matices a veces desapercibidos, al igual que la entonación; y su azarosa lectura, además de la imprevista polisemia y ambigüedad, asocia nuestros pensamientos a la experiencia y al aprendizaje, hacia los afluentes de la subjetiva interpretación; por lo que al hablar es recomendable cuidar en lo posible la elección de nuestras expresiones, no tan exigentes en la conversación coloquial, pero sí más rigurosas en la comunicación escrita; siendo selectos en las palabras podemos perfeccionar nuestro mensaje, aunque nadie nos garantiza evitar siempre posibles equívocos o malentendidos…

El uso de un lenguaje depurado, cuidadoso, no siempre descarta posibles errores interpretativos o inesperadas desavenencias: una ingenua opinión, una respetuosa crítica sobre un tema opinable (la osadía de una natural discrepancia) pueden ser mal acogidas; pues la carga emotiva de una reacción o de un mensaje también depende de la predisposición del interlocutor, quizás también por el desconocimiento de la intencionalidad que pueden reservar las palabras, y el inapelable beneficio de la duda; …es mejor evitar discordias inútiles, expresando una tolerante cortesía incluso frente a cualquier tipo de agresión verbal, con una sosegada réplica, prudente y sincopada, -y en algunos extremos hasta silenciosa-; pues no sólo los matices gestuales de un lenguaje no verbal condicionan la interpretación del propósito en el mensaje hablado, la inesperada acción-reacción también es cuestión de palabras (...defectuosa comunicación o desubicado silencio).

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Fuente de la Noticia:

*Artículo: “Los chimpancés hablan, mienten y hacen poesías con el lenguaje de los signos” -5 de mayo de 2011-, de la Agencia EFE Barcelona, publicado en diversos diarios digitales, p. ej.: Canarias7.es y Elperiodico.com.

- Artículo del que se ha hecho eco también el blog GRANDES SIMIOS - HERMANOS EVOLUTIVOS. Estudios que avalan nuestro parentesco cercano.

Otras noticias relacionadas:

-“Los chimpancés también pueden reconocer palabras incompletas”. BBC Mundo.

-“El lenguaje humano y el movimiento de los delfines coinciden en la brevedad”, interesante artículo en Servicio de Información y Noticias Científicas (SINC).

Enlaces de consulta recomendados:

-“El lenguaje de los delfines”: genial y muy completo artículo, de Sandra Brown, sobre las formas de comunicación de los delfines.

-Excelente blog sobre la pintura y cerámica en el arte griego: http://micropolis-ars.blogspot.com

-Cerámica Ática, en Wikipedia.

Claudio Baglioni

2011-06-12T01:11:00.040+01:00

Claudio Baglioni, aquel cantautor que sorprendió al público más fiel de la música ligera de los años Setenta con “Sabato pomeriggio”-1975- (“Sábado por la tarde”, aquella que comenzaba… “Gorrioncito qué melancolía / en tus ojos muere el día ya…”, seguida por el acompañamiento de un melódico piano), “Solo” -1977-, la tan romántica “Y tú como estás” -1979-,... éxitos que para numerosos admiradores han significado el principio ideal para conocer mejor su discografía: Comenzando por “E tu” -1974-, "Con todo el amor que puedo" -1972-, y la inolvidable canción “Questo piccolo grande amore”-1972-)…

“Pequeño gran amor” …la serena caricia de las olas en la orilla marcando el tempo, los acordes del piano y la playa en la nostalgia…, me fascinó tanto la primera vez que la escuché, que desde entonces la he considerado una de las mejores canciones de amor de la Historia de la Música Ligera… Un tiempo después, casi por azar en una noticia comprobé que había sido elegida, en una encuesta, por la mayoría del público italiano como la mejor canción de amor… y es que su música, sus historias y poéticas letras conectan de forma natural con la experiencia del sentimiento de amor y desamor, describiéndolo mucho más que como una simple manifestación del enamoramiento. No conforme sólo con estos aciertos, prosigue su talentosa y creativa evolución musical, indagando una nueva sonoridad en un lenguaje aún más poético, ampliando la temática de su repertorio más intimista y recurrente acerca del amor, la soledad, los recuerdos y el paso del tiempo...

A principios de los Noventa, inesperadamente nos vuelve a sorprender con un álbum que se comercializó en edición española, allá por 1991, y ha sido todo un hito en su obra, un CD en versión recopilatoria de aquel doble álbum que se publicó en Italia con el mismo título, con la última palabra que se escucha al final de la canción “Pace”: “Oltre” (“…Ora sono libero, un uomo..., oltre”) que culmina esta obra maestra del excelente cantautor nacido en Roma: Claudio Baglioni. Cuatro canciones bien adaptadas al español, y la participación de prestigiosos artistas como Pino Daniele en "Yo del mar", Paco de Lucía (en la guitarra española de la canción “Mañana nunca”), Youssou N'Dour en la inolvidable “Le mani e l’ ànima”..., composiciones muy elaboradas y originales: “Dale vìa”, “Yo del mar”, “Acqua dalla luna”, “Nosotros no”… de las que recuerdo especialmente “Pace”, una de las mejores canciones de la Historia de la Música pop-ligera.

Un verdadero poeta en la letra y la música, en su cromática y fecunda imaginación, su voz grave y aguda, tenuemente desgarrada, de timbre personal, y su sentimiento traducido en melodía, de la que es clara muestra su extraordinario álbum y tema “Io sono qui” -1995- (“Yo sigo aquí”). …Qué intensas todas sus canciones: “Le vie dei colori”, “Nudo di donna”, “Acqua nell'acqua”…, y especialmente “Titoli di coda”: pensamientos en alto, un testamento emocional sobre la propia vida y la experiencia como artista, y el vacío que a veces deja el paso de los días fugaces, como una película que avanza inexorablemente hacia los títulos de crédito. (...Otra de las canciones gracias a las que puedo ratificar que mi instrumento preferido es el piano).

Para aquellos que han escuchado sólo algunas de sus canciones más notorias, les recomiendo sus recopilatorios: “Todo Baglioni” -2005- y “Siempre aquí” -2006-, que incluye excelentes versiones en español de sus éxitos menos conocidos; por ejemplo las increíbles “Siempre aquí” (Tutti qui), y “Verás” –Avrai-.

El pasado 16 de mayo Claudio Baglioni ha cumplido 60 años, como nos recuerda la magnífica web del club de fans en España: soloclaudio.com, que celebramos todos los que amamos la música y admiramos a este gran maestro de la música ligera y pop italiana, europea e internacional, que ya cuenta con muchos años de conciertos desde aquellos primeros discos de canciones románticas. Si están interesados en conocer su evolución musical, les recomiendo sobre todo el álbum “Oltre”, editado en España en 1991; su diverso y completo álbum “io sono qui” -1995; y el más reciente, en concierto: Per il mondo. World Tour 2010.

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Y en el recuerdo… también especialmente emotiva fue su actuación entre las ruinas del Teatro Petruzzelli de Bari, en la Epifanía de 2002, cuando cantó “Per incanto e per amore”, tema incluido en su álbum “Sono io, l'uomo della storia accanto” -2003-.

“…/…

fa’ che il cielo dì un uomo non sia

questa notte infinita

ma un’alba di vita

su tutta la terra

e che l’ultima guerra è finita

in un mondo con meno ingiustizia

capace di un gesto di pace e amicizia

fa’ che sia così

come un canto del cuore

come per incanto e per amore

fa’ che il tuo prossimo sia

non soltanto chi ti è accanto

ma anche il prossimo che verrà qui

per incanto fa’ che sia così

per amore fa’ che sia così…”

(Claudio Baglioni. Per incanto e per amore, de su álbum “Sono io, l'uomo della storia accanto” -2003). –Fuente de la letra: soloclaudio.com-

(El texto es toda una oración, inspirada en las composiciones del poeta Rabindranath Tagore (wikipedia), con la melodía de la cantata BWV 147 de Johann Sebastian Bach Herz und Mund und Tat und Leben. Movimiento 10, Jesus bleibet meine Freude –Jesús, alegría de los hombres”).

Traducción: “...Haz que el cielo de un hombre no sea / esta noche infinita / sino alba de vida/ en toda la tierra / y que la última guerra termine /en un mundo con menos injusticia / capaz de un gesto de paz y amistad / Haz que sea así / como un canto del corazón / como por encanto y por amor / Haz que el prójimo sea no sólo quien está cerca / sino también el que venga aquí / Por encanto haz que sea así / por amor haz que sea así…”.

Eurovisión 2011.

2011-05-25T14:51:00.005+01:00

Todo un éxito de ingeniería de sonido e iluminación, este Festival de la Canción de Eurovisión 2011 celebrado el 14 de mayo en Düsseldorf, ha sido un ejemplo de perfeccionismo de técnica y realización, desde el mismo diseño y montaje impresionante del escenario y el recinto hasta las pantallas y espacios habilitados para el público y los presentadores; la Televisión alemana nos mostró el proceso de ensamblaje de la estructura en un curioso time-lapse que exhibía el calculado montaje del escenario en el estadio “Esprit arena”. Un concurso animado por la diversidad en los estilos con algunos ecos del siglo XX, en los que se acrecentó algo de calidad, pero en el que vuelven a prevalecer los ritmos comerciales y baladas muy norteamericanas, y también algún atisbo de búsqueda de originalidad o de virtuosismo no desdeñable…

Me sigue desilusionando este sistema de voto, porque no se comprende cómo es posible que bellas baladas como la de Finlandia – “Da da dam”, genialmente interpretada por Paradise Oskar con su guitarra, autor de letra y música, más original con su precioso mensaje para salvar el planeta, que otras canciones mucho más puntuadas -; y la de Suiza -Anna Rosinelli- (que inicia sus primeros compases con las cuerdas y bajo rítmico de un suave reggae- derivando hacia un estribillo más country) quedaran en puestos tan bajos de la clasificación, es bastante decepcionante. En mi opinión este año debió ganar Finlandia.

...Amores no correspondidos.

Ha sido un Festival un poco largo, pero que a pesar de todo no resultó tan aburrido, tanto que aún conservo algún interés por comentar estas canciones:

Azerbayán: “Running Scared”, ganadora de 2011, de melodía ligera y reiterativa matizada por ecos de teclados lejanos, guitarra eléctrica y coros rítmicos de un estilo pop romántico; de lenta pero constante persuasión con su llaneza melódica. Esta canción tan comercial y repetitiva no estaba entre mis preferidas, aunque reconozco la bella puesta en escena y emotiva actuación del dúo ganador Ell & Nikki: Eldar Gasimov and Nigar Jamal.

Austria: “The secret is love”. Una agradable balada de altos agudos y arriesgados giros, en la que Nadine Beiler luce sus admirables cualidades vocales… (su sonido es de banda sonora de película estadounidense, pero mereció mucho mejor puesto) -sólo quedó en el 18 con 64 puntos-.

Estonia: Representada por Getter Jaani, con "Rockefeller street". Una pena su penúltimo puesto, una canción movidita e ingenua de sonido jovial que comienza con aires de cajita de música con bailarina, y evoluciona su estribillo hacia un ritmo que parece de un desfile de majorettes con ambientación de anime; algo reiterativa, pero simpática y mejor que la que ganó el año pasado.

Eslovenia. "No one", por Maja Keuc; una canción excelentemente cantada, pero de un estilo muy norteamericano y con arreglos muy festivaleros…

España: La calidad de la cantante, Lucía Pérez, supera la canción que representó en este Festival… Creo que las imágenes de fondo proyectadas durante la actuación fueron monótonas y no armonizaban con la canción… No sé si la balada “Abrázame” hubiera logrado más votos -probablemente sí-, pero en mi opinión hay que mostrar lo que más le transmite al artista, no la simple búsqueda de agrado, simpatía o una apariencia de diversión y felicidad.

Islandia: “Coming home”, sencillo pop country de pegadizo estribillo, muy bien conjuntada por este grupo formado por los amigos del cantante Sigurjón Brink, en homenaje a este músico que falleció en enero de 2011 antes de participar en el concurso de su país.

Italia: Tras 13 ediciones del festival sin la participación de Italia, larga ausencia tras la que reaparece con una curiosa canción –Follia d'amore- más que evidente fusión de reminiscencias del Jazz, blues y soul, estilos que le fascinan- y quizás con algún toque de balada romántica, magníficamente interpretada por Raphael Gualazzi, cuyas manos casi volaban por el piano conversando con lenguaje propio y virtuoso, en la que hasta el falsete desgarrado engarzaba con la trompeta; un tema fuera de serie con abundantes influencias de la música estadounidense, pero excelente composición que obtuvo nada menos que un segundo puesto; hubiera sido una merecida ganadora.

(…Otro asunto sería comentar la simpatía que siempre ha dedicado España a Italia en este Festival, incluso con canciones de otros tiempos, un amor claramente no correspondido).

Lituania: C'est ma vie, una bella balada en la preciosa voz de Evelina Sasenko, nostálgica, acompañada por las notas de un melancólico piano, avanza in crescendo con la orquesta hacia tonos y ritmos de musical romántico, como la banda sonora de una escena de amor. (Tan sólo quedó en el 19).

El cielo y la vida desde El Teide (The Mountain).

2011-04-24T12:36:00.018+01:00

Terje Sorgjerd ha filmado un excelente video -The Mountain-, entre el 4 y el 11 de abril de 2011, en el que refleja la inmensa riqueza visual del cielo nocturno de las Islas Canarias -...infinitudes de estrellas y la Vía Láctea-, y la fotografía diurna de tantos endemismos de la flora canaria: pino canario, codesos de cumbre… observados desde un lugar tan idóneo y extraordinario como es el Parque Nacional del Teide en Tenerife, donde también se sitúa el conocido Observatorio de Izaña. Ha logrado una obra genial, uno de los mejores videos de técnica time-lapse que he visto, una auténtica obra de arte que nos recuerda el altísimo valor natural de nuestras islas. Y como banda sonora se escucha la sublime canción “Nuvole bianche”, incluida en el álbum Una Mattina -2004-, del pianista y compositor Ludovico Einaudi.

The Mountain from Terje Sorgjerd on Vimeo.

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...Este video me ha recordado mi visita a Las Cañadas del Teide en aquel tórrido verano de 2009 -el paisaje era menos primaveral-; ya la ascensión por carretera fue increíble, subiendo y subiendo por sinuosas curvas avistaba los valles de altísimos pinos canarios... hasta llegar casi a las faldas de la gran Montaña Volcánica.

Vista del Roque Cinchado desde el célebre mirador.

Las extensas llanuras rojizas de lava petrificada, los malpaíses de las inmensas coladas de esta planicie hasta los límites de la Caldera, evocan el origen de la Tierra y el vigor de las antiguas erupciones en la isla, conformando un extraño paisaje donde habita la vida.

Es milagroso, la vegetación resiste las duras condiciones climatológicas en Las Cañadas, las elevadas temperaturas diurnas a esta altitud en pleno verano, aferrándose a la roca y al suelo volcánico.

Libros Electrónicos (e-books).

2011-03-26T13:38:00.001Z

Todo lo que una persona puede imaginar, otros pueden hacerlo realidad. Julio Verne.

Hay libros cortos que, para entenderlos como se merecen, se necesita una vida muy larga. Francisco de Quevedo.

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Una de las conquistas de la Era Digital ha sido la invención de dispositivos electrónicos específicos para la reproducción de libros en versión digitalizada; y aunque tras este avance tecnológico los vaticinios más pesimistas auguraban la desaparición de aquel primigenio invento milenario, el libro, -cuya difusión se generalizó con la imprenta y el posterior desarrollo de la industria editorial-, la invención del soporte electrónico (e-Reader, lectores de e-Book) en principio no ha seducido tanto como se esperaba, y las librerías tradicionales aún resisten ofreciéndonos el soporte tradicional de papel y cartón, que algunas editoriales presentan reciclados para contribuir a la conservación de los bosques (logrando así contrarrestar en algún modo uno de los argumentos que avalan la preferencia del formato electrónico, además de su mayor versatilidad, movilidad, y otras ventajas…).

Pero esta confrontación es más que un simple obstáculo superable del progreso y por ahora los argumentos prácticos y racionales no pesan más al elegir la lectura de un libro –sin ignorar que las noticias más recientes anuncian un futuro mayor crecimiento del mercado de ebooks-; porque será muy difícil olvidar ese extraño aroma del papel y la tinta, los variables dibujos tipográficos, el discurrir de la lectura en el paso de las páginas, la textura de las hojas, el tacto de los viejos libros, el tímido silencio de aquel olor a biblioteca, ese complejo mundo de sensaciones… el espacio y el tiempo condensados en papeles, el color y los títulos de portadas en lejanos libros (des)ordenados en estanterías, aquellos ejemplares olvidados o rescatados… no será tan fácil cambiar esta tradición, si al final optamos por nuevas tecnologías aplicadas al sencillo y maravilloso acto de abrir un libro.

Y aunque la primera impresión que pueda causar la idea de comprar un e-book desde la red no seduzca tanto –ni siquiera el ahorro económico de esta compra-; y múltiples comentarios insistan en que no es lo mismo leer en una pantalla que en el papel –contando incluso con las ventajas de confort y ahorro energético de la tecnología de “tinta electrónica” (e-ink) en los e-Readers -* (hay quienes han optado por las Tablets más adaptadas valorando sus prestaciones multiuso, el color y la presteza, además de su precio); sin embargo su aceptación y uso generalizado será sólo cuestión de tiempo, si ya escribimos y leemos en el ordenador… ¿Quién hubiera creído, desde la primera Revolución Industrial, que dispondríamos de tantas oportunidades para el acceso a la información y comunicaciones a través de Internet, correos electrónicos, móviles,… y escribir en esta especie de bitácora, un blog? ¿Pensaríamos que eran fruto de imaginación o la fantasía, de las novelas de ciencia ficción…?

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Enlaces recomendados:

-“Los libros electrónicos: la tercera ola de la revolución digital” CORDÓN GARCÍA, J.A., ALONSO ARÉVALO, J. y MARTÍN RODERO, H. Anales de Documentación, 2010, vol. 13, p. 53-80. (Anales de Documentación: revista anual editada por el Departamento de Información y Documentación y la Facultad de Ciencias de la Documentación de la Universidad de Murcia).

- El libro y las nuevas tecnologías. El libro electrónico. Servicio de Estudios y Documentación. Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas. Ministerio de Cultura. 2009.
(http://www.mcu.es/libro/docs/MC/CD/LIBROELECTRONICO.pdf).

-El libro electrónico. (Grupo de Trabajo sobre El Libro Electrónico). Observatorio de la lectura y el libro -abril 2010-. Ministerio de cultura.(http://www.mcu.es/libro/docs/MC/Observatorio/pdf/LIBRO_ELECTRONICO_2010.pdf ).

-Papel electrónico, la teconología de la tinta electrónica (Wikipedia).

-Lectores de libros electrónicos (e-Readers): su uso en la lectura y la enseñanza. Autor: Pedro Razquin Zazpe. Facultad Ciencias de la Documentación. Universidad Complutense de Madrid. Jornadas: El Libro electrónico: presente y futuro en la biblioteca y en la enseñanza. -Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidade da Coruña.

- ¿Libro de papel o electrónico? . Mónica Parrilla, campaña de Bosques de Greenpeace.

"Bright Star".

2010-10-14T18:34:00.012+01:00

Bright Star describe con rotundo acierto, tanto en el aspecto puramente visual de planos y fotografía como en el terreno de las palabras -diálogos, preguntas, dudas, expresiones que transitan desde el corazón al pensamiento-, en un ambiente bucólico y a la vez tan gélido y encorsetado, las ilusiones y pormenores de la relación amorosa entre el poeta romántico inglés John Keats y su vecina Fanny Brawne.

Casi no se percibe la estructura latente que renueva el esquema típico del drama, con una sutil presentación y fluido desarrollo; pero sí se distingue una parte central más lánguida, equidistante, en la que se extiende el agónico impedimento, el obstáculo insalvable para liberar las emociones en ese extraño sino y su encrucijada, que limita las ansias de sentir en lo real aquellos versos de pasión revelados en la tinta oscura, en las notas y manuscritos sellados en rojo lacre, cuyo tacto fervoroso puede palpar el dolor de la espera.

Fanny Brawne escogió aprender poesía en las lecciones del amor…, una joven y creativa costurera, diseñadora, predispuesta a leer y escuchar para comprender el misterio de la música y palabras de unos poemas no tan herméticos como desconocidos; porque, en frase del protagonista “John Keats”: “La poesía… envalentona el alma y acepta el misterio”, y si el amor también es misterio, este amor lucha por sobrevivir frente a presiones indeseables de un mundo más material, más hostil y menos poético; un mundo de meditados y no tan recíprocos afectos, donde todo parece medido, diseñado con un fin previsto.

Bright Star sabe revivir con elegancia fidedigna el ambiente más propicio para inspirar el talento poético de un genio como el de Keats: La lectura en el silencio luminoso del campo y el claroscuro de la casa, donde resuenan sus pasos en suelos de madera, las velas y el fuego del hogar, mantos de flores, delicadas mariposas, la lenta lluvia, los libros, la brisa que eleva las cortinas en la ventana, la diáfana noche del firmamento y sus lejanos astros… y la belleza de la vecina, eran el argumento preciso para un amor enclaustrado, una pasión contenida que puede vencer la distancia y el tiempo.

Si en “El piano” (1993), también se dilucidaba una frustración amorosa y el ansia de sentir la música como una liberación, un lenguaje personal y universal al mismo tiempo; aquí las melodías, en voz de teclados o cuerdas atemperadas, no desbordan pasiones vehementes ni una sensualidad arrebatadora, aquí predomina la espera, el sentimiento, el detalle, el amor idealizado, las lágrimas frente a un cristal.

Esta colorida fotografía es un bello retrato de un hecho crucial en la vida del poeta inglés John Keats, resultado de un arduo trabajo en el guión y la dirección (Jane Campion), además de la cuidada fotografía de Greig fraser; y concretado en un memorable trabajo actoral del que resaltaría la excelente interpretación de Abbie Cornish.

Calificación: 7,5.

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Es reconfortante comprobar el interés que aún despierta la poesía, y ver cómo los espectadores permanecen atentos escuchando recitar un poema del siglo XIX. Esta bella película es también un homenaje a la poesía y al amor; y puede ser la excusa ideal para interesarse por la poesía… por autores no tan aclamados que nos dejaron versos melancólicos, pero de perceptible admiración por la Naturaleza, como estos poemas de John Keats: “De puntillas anduve”, "Estrella brillante”, “Oda a un ruiseñor”, “Oda al otoño”...

La Música de la Travesía.

2010-09-22T20:59:00.021+01:00

Viajar en barco es una experiencia vivificante, cuando sentimos el sol y la brisa marina en el rostro y desde allí alzados, en cubierta, casi por intuición dirigimos nuestra mirada al azul e intenso blanco de la espuma salina, la estela que va lentamente reunificándose, integrándose en el mar del que nació, para vernos así, cercanos al océano y tan lejos aún del horizonte.

En una travesía entre islas, es habitual distribuir las horas de navegación entre la lectura, una charla fraternal, escuchar música en algún reproductor de audio, o conformarte con imaginar o recordar canciones junto al sonido ambiente.

Allí, no tan lejos de delfines y peces voladores, sobre las minúsculas olas de un extenso mar azul y Atlántico, parecía el más adecuado entorno para escuchar “Into the Mystic” de Van Morrison; ... y canciones de Leona Naess: “Used To Be Afraid”, “All Is Fair”, “Train Song”… un bello panorama también para escuchar “Not the same girl”, otro gran tema de Leona Naess, del que había visto un video con su interpretación en vivo desde - Spreckels Theatre- San Diego (California) -incluido en su álbum más reciente: “Thirteens”-; es una canción de un intimismo personal que, más que nostalgia, nos transmite una serena sensación del paso del tiempo, descrito en la cadencia y armonía del sonido acústico y su dulce voz.

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…Descendí las escaleras que llevaban al Puerto, y regresé a casa. Y al día siguiente, mientras ordenaba libros entre baúles y gavetas, tras aquel refugio de la luz del tiempo, encontré una antología de la obra poética del poeta cubano José Lezama Lima (Edición de Emilio de Armas. Ed. Cátedra. 2000. Colección Letras Hispánicas) que había leído en parte hace años; abrí sus páginas buscando algún poema... -Sus "Poemas no publicados en libros"; y otros como: ...“El esperado”, “El pabellón del vacío”...- de su obra póstuma “Fragmentos a su imán” -1977-, y casi por casualidad leí estos versos:

“…/…

obtener con un poco de humo

la respuesta resistente de la piedra

y volver a la transparencia del agua

que busca el caos sereno del océano

…/...”

(Del poema “Discordias”. Fragmentos a su imán. 1977. José Lezama Lima).

¡¡No!! a las corridas de toros!

2010-08-14T12:35:00.012+01:00

El pasado 28 de julio, los medios informativos se hacían eco de esta noticia: El Parlamento Catalán aprobó la prohibición de las corridas de toros en Cataluña –que entrará en vigor en 2012-, presentada por Iniciativa Legislativa Popular. Un gran paso en la defensa de los derechos de los animales; una decisión ejemplar que puede ser correspondida en el resto de Comunidades Autónomas que aún permiten este “espectáculo”, esta tristísima “fiesta” en la que se inflige un visible dolor al toro, en una punzante tortura, desangrando al animal hasta causarle la muerte con una profunda estocada.

Esta prohibición de tan lamentable rastro del pasado, no debe ser interpretada tras el prisma ideológico-político, sino desde la sensibilidad y la conciencia, una dignidad independiente de cualquier doctrina. Es una decisión que, como ciudadano demócrata y como persona, esperaba y celebro especialmente deseando que mediante su proyección sobre el resto de España y del mundo, contribuya a la reflexión para, en un futuro próximo, abolir otras rancias “fiestas” tradicionales de evidente crueldad, aún dispersas… como las denominadas: “El toro de la Vega (Tordesillas)”, los “correbous” o “toros embolados”, “toros enmaromados”, “Toro de Coria”…; y también las peleas de gallos.

Hay quienes aún dudan o niegan la prohibición de las corridas de toros en Canarias desde la aprobación de la Ley 8/1991, de 30 de abril, de protección de los animales, cuyo ámbito de aplicación incluye en su art. 1º a los animales domésticos, que su art. 2 define como “aquellos que dependen de la mano del hombre para su subsistencia”; basándose en las limitaciones del término “doméstico”.

…¿Acaso el toro “bravo” es independiente del hombre cuando se cría en situación de "semi-libertad", específicamente preparado para la lidia? ¿Acaso el toro de lidia no es ganado, de propiedad y controlado por el ser humano, tanto que incluso muchos detractores de la prohibición han llegado a argumentar que el toro se extinguiría si no se criara para la “fiesta”…? (es una afirmación mucho más que exagerada, errónea; pues hay muchos biólogos y profesionales especializados, y variados medios para la conservación, sin eternizar esta lastimosa tradición para preservar estos animales).

Por otra parte, si en la citada Ley 8/1991 se especifica -en el artículo 5.1- que “Se prohíbe la utilización de animales en peleas, fiestas, espectáculos y otras actividades que conlleven maltrato, crueldad o sufrimiento”, exceptuando, con algunas condiciones restrictivas, sólo las peleas de gallos; en mi opinión, conforme a la definición legal de "doméstico", podemos concluir que sí es posible interpretar que en Canarias están prohibidas las corridas de toros; porque está claro que los toros no son animales salvajes… ¿¿Si no son animales libres ni salvajes, ni se consideraran incluidos en la definición de “doméstico” de la propia Ley, en qué término tendrían cabida si quedaran fuera de esta protección?? De todas formas, es bien sabido que en Canarias no hallarían apenas espectadores, ni mucho menos entusiastas de las corridas de toros.

Prohibición de las corridas de toros.

Sería muy contradictorio, incoherente, defender la libertad para acudir a presenciar la celebración de actos crueles con los animales, en una sociedad civilizada que pretende defender valores superiores como la paz y el respeto a los animales… La libertad tiene unos límites: los derechos y la libertad de otras personas (a convivir sin que se permitan este tipo de espectáculos), aunque haya quienes sean tan reacios a reconocer los derechos de los animales. No podemos admitir la defensa de la libertad para acudir a celebraciones de espectáculos tan inhumanos, dañinos y sangrientos…, que provocan tanta repulsa.

Es preciso prohibir, sí, si pretendemos suprimir actos de crueldad. No podemos esperar dilatando su erradicación en el tiempo, mientras confiamos en que sólo con el hecho de no fomentarlos ni darles publicidad, terminarán desapareciendo por la progresiva ausencia de seguidores y el rechazo general a este tipo de espectáculos.

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- Por la libertad para convivir en una sociedad civilizada.

- Por el verdadero arte: un arte creador y educativo, que no pueda recrearse en el dolor, la sangre y la muerte.

- Por una cultura que transmita valores superiores a las futuras generaciones. Valores como la paz, la solidaridad y el respeto a los animales.

- Por la conciencia para conocer y recapacitar las consecuencias de las acciones, y para evitar la indiferencia ante el sufrimiento.

El "buen gusto" y la creatividad.

2010-08-13T00:53:00.007+01:00

El “buen gusto” como norma equivale a una amonestación para que neguemos nuestro sincero gusto y lo sustituyamos por otro que no es el nuestro, pero que es “bueno”. José Ortega y Gasset.

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Sin rehuir el debate sobre los criterios para valorar una obra de arte, cuestiones entre las que se suele mencionar: …la belleza…; también se apela al “buen gusto” para saber apreciar sus cualidades, y por lo que al cine se refiere…, para estimar si una película merece o no el calificativo de buen cine.

¿No es contradictorio, paradójico, recurrir a esa indefinida fórmula de la bondad en el gusto, tan asidero frecuente de conversaciones coloquiales, como inesperado fundamento en debates más rigurosos?

Ya el refranero nos lo advierte: “Sobre gustos no hay nada escrito”, previniéndonos acerca de los posibles peligros que una sistematización extrema puede inducir…, no sólo porque invada el terreno de lo subjetivo, el riesgo mayor es el de normativizar el arte hasta tal punto, que sobrepase lo estrictamente técnico para desembocar en una extraña reglamentación de la belleza, e incluso de preferencias personales.

Y quizás por una temida discusión sobre la subjetividad, o por su abstracción de conceptos -cuyas deliberaciones al final pueden desencadenar polémicas más ligadas a ideologías y doctrinas-, no redunda en un debate pacífico ni bien acogido; aunque se coincida en la oportunidad del cine, más que como un ocasional recurso didáctico, para enseñar Historia del Arte y alentar el juicio crítico, enseñando a pensar.

La única defensa más comúnmente admitida para este tipo de etiquetas, es quizás la de su conveniencia para encauzar la opinión ¿y el comportamiento?, sin reglas escritas ni tan consuetudinarias; ya en el atuendo sería aceptable una sensibilidad que nos permita diferenciar cuándo una combinación es armónica, equilibrada, o atrevida sin parecer excesivamente chillona o excéntrica; distinta pero no distante al savoir faire y a las normas de etiqueta social, más acorde con la elegancia que con el glamur; ...y al mirar un cuadro: una capacidad comprensiva para discernir si , por ejemplo, un collage de la pintura o del cine, se aprecia original y genialmente conseguido, sin resultar profuso ni sobrecargado. (Nunca olvidemos que los cambios artísticos, en sus etapas iniciales, no suelen ser tan bien recibidos).

Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pablo Picasso. 1912

A Pablo Picasso se le atribuye la invención del collage en 1912, con su obra: Naturaleza muerta con silla de rejilla, (año en el que también George Braque inició esta interesante técnica; que consiste en pegar diversos materiales sobre la superficie o soporte del cuadro).

-Cuando ves por primera vez un collage, si miras bien podrás comprender que estás ante una auténtica esencia de la creatividad, la libertad creativa-.

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El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto (Pablo Picasso).

Si bien este sentido -del "buen gusto"- nos podría ser útil para encajar bien en sociedad, para deslumbrar con la opinión o imagen más aceptada, ajustando nuestro parecer al común o ideal sentir…, no resulta tan idóneo para estimular la creatividad (y son comentarios que podemos escuchar a los propios artistas) que se mueve en espacios más anchos, oteando amplios horizontes donde puedan viajar la imaginación y la fantasía.

Sopesando tanto su significación como sus efectos, comprobaremos que eso del “buen gusto”, es más apropiado para referirse al decoro y la cortesía en actos y palabras; de lo contrario, sería un supuesto paradigma prescindible en cualquier ámbito artístico (e incluso en amigables conversaciones). Por varios motivos: si partimos de la definición (acepción 5ª y siguientes) de “gusto” según el diccionario de la R.A.E.: "Facultad de sentir o apreciar lo bello o lo feo”, también podríamos definir el “buen gusto” como la facultad para valorar cualidades relacionadas con la belleza –¿…ideal o intelectual?-, que no dejará de ser siempre algo etéreo, personal y cambiante… Porque, a la postre, son ideales muy ligados al contexto socio-cultural, histórico y personal, que también evolucionan; y porque el arte puede ser equilibrado, armónico y transgresor al mismo tiempo, -en el buen sentido de la palabra-.

El supuesto “buen gusto” es tan relativo y confuso, que disgustaría a cualquier persona que, a pesar de sobrevivir en esta sociedad de consumo, aún conserve un sano espíritu crítico y de libertad no condicionado por dictados estilísticos o doctrinales, ni mucho menos por la moda.

No impongamos a nadie ningún ideal sobre gustos… Perderíamos tiempo y energía inútilmente si intentáramos reglamentar la estética… Porque, en palabras de Fiodor Dostoievsky: Es difícil juzgar la belleza: la belleza es un enigma.

Eurovisión 2010.

2010-06-06T23:12:00.023+01:00

Este año se ha comentado una mejoría en el nivel de las composiciones participantes en Eurovisión… lo que sí que he observado, además de una posible mayor elaboración de arreglos y acompañamientos, nítido sonido, y melodías creadas para lucir el virtuosismo de las mejores voces, ha sido un giro estilístico, un cambio de rumbo. Este año muy pocas composiciones incorporaron elementos de la música étnica: salvo Grecia que mostró una fusión entre lo electrónico y sonidos étnicos; Irlanda con algún arreglo celta en su estilo además del bello sonido de la flauta tradicional irlandesa, -el Whistle (Low Whistle)-; y la simpática canción de Armenia (“Apricot Stone”); y sólo Turquía se atrevió a presentar un tema rockero peculiar –algo reiterativo desde el arpeggio inicial tan pronunciado-. (España participó con “Algo pequeñito” -más original frente al resto-: un vals con una melodía como de cajita de música y aires de cuento infantil; bien interpretada por Daniel Diges). A la vista del resultado, tras el triunfo de la canción alemana, mi intuición me sugiere que la media de edad del tele-voto fue muy joven.

Pero de aquella noche, mi particular selección de la participación de este año en Eurovisión es la siguiente:

Irlanda: Una de mis canciones preferidas de 2010, esta bella y sencilla balada que recuerda las mejores participaciones de Irlanda en Eurovisión; “It’ s for you”, un tema más difícil de interpretar de lo que parece, que hemos escuchado en la preciosa voz de Niamh Kavanagh ; y que mereció muchísimo mejor puesto que el 23º.

Georgia: Romántico tema de lento comienzo que asciende hacia un estribillo melódico de elevados agudos, acorde con la gran voz de Sofia Nizharadze.

Bélgica: Interpretada por Tom Dice, “Me and my guitar”, desde las notas de la guitarra acústica, cercana al pop country, que agradó bastante más de lo que pensaban quienes desconfiaban del poder de convicción de las baladas en este concurso. Es una composición sencillita y natural en el sonido de las cuerdas, bien cantada con su falsete y énfasis en momentos adecuados.

Ucrania: Una de las mejores de la noche, cuando en el escenario, tras las primeras notas graves de una guitarra, una bella cantante de portentosa voz atrajo la atención de los espectadores, paralizando la algarabía con una balada rockera melancólica: “Sweet people”, de estilo algo gótico, de aire misterioso y enigmático; una canción protesta, ecologista -es posible que el tono desgarrado de la melodía no le atrajera más votos-. (Inmejorablemente interpretada por Alyosha, sólo quedó en 10º lugar, pero mereció mucha mejor posición, mereció ganar).

Rumanía: Una canción movidita que no era de mis preferidas, aunque reconozco su originalidad y lograda puesta en escena; lo que más me sorprendió fue la interpretación del curioso piano -de cristal o metacrilato- a dúo, el plano aéreo para ver las teclas iluminadas cuando tocaban, y el breve guiño a la lírica que nos brindó luciendo su potente voz, la cantante Paula Seling.

Portugal: “Há Dias Assim”, es de un estilo próximo al musical, o canción de banda sonora, con estribillo bastante festivalero, bien recordada por la emotiva participación de Filipa Azevedo, aunque tan sólo quedó en el 18º puesto.

Armenia: Simpática y rítmica canción: "Apricot Stone", cantada en inglés por Eva Rivas.

El pasado 2009, quizás confundiendo deseos con realidad, me atreví a interpretar la tendencia masiva del voto hacia una canción de estilo folk, sugiriendo un posible hastío hacia lo repetitivo y el anhelo de músicas más originales, reminiscencias de la Tradición;… pues parece que no, que más bien prevalece la atención hacia ritmos joviales, dance music, o el apego a modas pasajeras.

En mi opinión: sería conveniente retomar el antiguo sistema de voto: Jurado Técnico, o reducir aún más el porcentaje de valor del voto telefónico.

"Siempre a tu lado (Hachiko)".

2010-01-24T12:11:00.012Z

No es tan extraño que las historias más inverosímiles, y no por ello menos verídicas, puedan adaptarse así, trasladarse a cualquier otra parte del planeta, a otros paisajes, idiomas y costumbres, etapas históricas o evolutivas; quizás porque los sentimientos en el fondo no son tan reductibles ni aislados; a veces pueden ser vínculos que se universalizan, uniéndonos en lo menos valorado, lo más pequeño e inadvertido; y es ahí donde reside el motivo del éxito de la narración de “Siempre a tu lado”: la empatía y la sencillez en el guión y la dirección de esta modesta pero significativa película.

La cuidada fotografía contrasta bien con planos subjetivos del auténtico protagonista: Hachi, un elegante perro de raza Akita inu, orgulloso y leal; cuando la cámara traza la mirada en movimiento a su altura valiéndose de planos que perfilan el mundo visual en grises, blancos y negros, levemente difuminados –cercano al que siempre hemos creído que perciben… (aunque según los expertos, las investigaciones científicas han revelado que los perros pueden ver colores, pero de forma más limitada, y en la oscuridad ven mucho mejor que los humanos)-, mientras resaltan tonalidades, la intensidad en las palabras, miradas desprovistas de filtros, desde el inhabitual prisma de quienes no saben fingir su cariño y su lealtad… su amistad omnipresente, su protección y guarda, su casi ilimitada generosidad, su capacidad para indagar y conocer, su intuición prodigiosa, su taciturna y brusca sinceridad… ajena a mundos artificiales, a cualquier atisbo de dobleces, de diminutas precariedades, de amistad utilitarista o circunstancial, de imborrables rencores; de esa soberbia a la que dicen que es tan proclive el ser humano… Una amistad verdadera como esta no se puede simular, forma parte de su naturaleza, e incluso supera ese sentimiento espontáneo y desinteresado que llamamos amistad, para aproximarse más al sentimiento de familia.

Fuente: Wikipedia.

La estación de trenes es un lugar de tránsito, una encrucijada de adioses y bienvenidas, de anécdotas y cambios vitales, pero en “Siempre a tu lado” se torna también en un centro desde el que su protagonista observa y espera, contempla su mundo, un mundo habitado por personajes que nunca serán secundarios, sino copartícipes de aquel universo ignorado, donde los atuendos y el frío son irrelevantes…, mientras algunos viajeros inician su partida leyendo noticias entre el sutil aroma de la tinta recién impresa, y aguardan el tren saboreando a penas un amargo café…, el perro acude puntualmente a la estación para su despedida, y luego retorna a esperar con devoción y serenidad a quien es más que su dueño, su amigo, su familia.

“Siempre a tu lado. Hachiko” es un film sin artificios, casi lineal –cuya narración principia con un relato contado como la lectura de una redacción en un colegio- o ingenuo, pero interesante, con el que el mismo Director de “La casa de la sidra” (1999), Lasse Hälstrom, transmite lo esencial de la historia sin recurrir a escenas llamativas, sentimentalismos atractivos, sino tan sólo mediante la clarividencia de la observación, la naturalidad en el silencio subjetivo, la aparente rutina otoñal del itinerario cotidiano, (sólo levísimas evocaciones de la fotografía campestre de aquella película) la melancolía del piano (que quizás anhela más pausas, y un piano más en sotto voce), las imágenes hogareñas y poéticas de presentida inocencia que acrecientan la empatía y la comprensión, más que lágrimas inevitables vertidas desde la nostalgia del espectador familiarizado con la compañía y el afecto incondicional de un perro.

De la interpretación sobresalen todos (y Richard Gere transmite un auténtico cariño y admiración por Hachi), pero especialmente los actores secundarios, como Erick Avari, Jason Alexander y Davenia McFadden; y el magnífico trabajo realizado con los perros que han representado diferentes etapas de la vida de Hachi, que es magistral. La trama de esta película es tan sincera, que podríamos afirmar que su guión y estructura, tan austera en sus escenas, parecen asemejarse más a una breve narración, un sencillo cuento basado en hechos reales (sucedidos en la ciudad de Odate, Japón, en los años Veinte…; sobre la que apenas conocíamos la existencia de una previa y primera película: “Hachiko monogatari” – 1987- dirigida por Sejirô Kôyama), y adaptado a otra localización y otros días, porque esta versión de “Siempre a tu lado” no es exactamente un remake.

La distancia en el tiempo y lugar original de los hechos reales no desluce la narración, que se incardina adecuadamente en esta historia; cuyo relato actualizado podríamos aventurarnos a interpretar o rememorar, más que desde una interrogación retórica, casi como una figurativa contraposición entre el supuesto bienestar de las ciudades modernas y la vida natural, convertida en un remoto reducto del pasado, transformada y recreada en parques y jardines de diseño, -… donde las innumerables especies de la Tierra son seres vivos, tesoros lejanos reflejados en documentales, museos y enciclopedias-, y los perros son mascotas con las que jugar en el patio, que pueden pernoctar en sus casetas prefabricadas, alejados de la pulcritud y el orden interior de los hogares humanos…

Este sigiloso y sencillo planteamiento, con la representativa secuencia de la tormenta y el refugio de aquel cuarto donde el profesor esconde al perro en casa para protegerlo de las inclemencias del tiempo, que escucha sonidos y conversaciones mientras mira una larga puerta, es de una intensidad inusual e inesperada para estas películas emotivas; “Siempre a tu lado (Hachiko)” es una película sin pretensiones especiales, que no intenta transmitir más allá de lo profundo y revelador que es en sí mismo este hecho real, narrado con tanta modestia y naturalidad, que conmueve por sus imágenes y silencios, y sus breves palabras; y quizá lo que más impresiona sea el potencial emotivo, filosófico y espiritual, de esa parquedad narrativa: la inocencia, el silencio subjetivo y la brevedad.

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Conciencia y sostenibilidad.

Esta película me ha emocionado por diversos motivos, pero especialmente porque las reflexiones que suscita, de ingenuidad tan poderosa, pueden relacionarse con el planteamiento de antinomias aparentemente irreconciliables.

Para sorpresa de quienes no simpaticen con los perros ni suelan interesarse por el comportamiento animal, e incluso les cueste tanto valorarlos…, resulta que los animales pueden sentir, pensar, recordar, con sentimientos que son comprensibles por los humanos, quebrando trasnochados postulados antropocentristas…, y no es un tópico lo de la fidelidad incomparable de los perros, y más en concreto de este perro (Hachi): su elegancia y dignidad, su amor ejemplar.

Y aunque esta película en principio parece la rememoración de un hecho insólito, histórico, -en el tráiler lo califican como “Una historia milagrosa”-, y es que, la amistad, la lealtad de un perro, es para muchos humanos un inesperado milagro, (y no es el único de estas características; han sucedido otros similares en diferentes lugares de la Tierra) que motiva planteamientos más trascendentales, precisamente por ello me ha recordado diferentes perspectivas, postulados que pueden identificar a la persona… bien como un ser privilegiado, en la cúspide de la pirámide de la vida, y hasta de la pirámide evolutiva; frente a los que opinan que las personas compartimos el planeta sin situarnos en posiciones privilegiadas preconcebidas, y que el ser humano no es un ente ajeno, distante ni superior a la vida de este planeta, sino que está vinculado plenamente con ella.

Si nos erigimos en protagonistas de la existencia de la Tierra, si consideramos que nuestros (des)conocimientos nos elevan a un estadio superior, por encima de animales, vegetales, del mar y el aire, como si estuvieran discrecionalmente a nuestro servicio, como si la flora y la fauna fueran recursos ilimitados, persistiríamos en errores ya cometidos excusando las consecuencias de las acciones humanas, que retornan como un boomerang, repercutiendo en nuestra salud, en la vida.

La experiencia nos alecciona con paciencia reiterada: nuestra forma de vida está dejando huellas imborrables sobre nuestro medio natural, huellas que se proyectan, se irradian sobre todos los que habitamos este planeta insustituible. ¿…Y si nos decidiéramos a creer en la segunda opción: La conciencia y la Sostenibilidad (desarrollo sostenible)…? ¿No sería más fácil optar por energías o industrias limpias, cuidar más a los animales, erradicar y evitar tantos daños?

Quizá seríamos más solidarios, menos indiferentes, más pacíficos; y también más respetuosos con los animales, ya con gran sabiduría nos advirtió Mahatma Gandhi: “Un país, una civilización, se puede juzgar por la forma en que trata a sus animales”.

Leyendo el cine.

2010-01-20T20:40:00.012Z

En torno a la polémica sobre las ventajas de la Versión Original Subtitulada frente al doblaje, desde la posición de un espectador aficionado a la lectura y al cine –y la verdad es que últimamente he visto poco cine…- (evitando fanatismos, y con el único dogma de evitar películas con escenas que parecen recrearse en la violencia, o en una obsesión por lo morboso y pesimista), confieso que en numerosos momentos me he sentido cómodo viendo películas con doblaje; aunque siempre me atrajo la curiosidad de escuchar el sonido original, la entonación de los diálogos, el timbre de voz...

Desconozco el origen real del subtítulo, pero supongo que sobrevino por el interés de escuchar el sonido real, y por el ansia más rigurosa de conocer un reflejo lo más nítido posible del guión original. Y a propósito de esto de leer subtítulos, -y al mismo tiempo leyendo el cine-, indagando posibles similitudes en su evolución, se puede relacionar, salvando las distancias, como remoto precedente, el de los carteles explicativos del cine mudo –intertítulos-, que glosaban escenas y diálogos...; (e incluso poniéndole más imaginación, en formato impreso, nos recordarían antiguos comics y novelas western…); y de los programas de la Televisión, recuerdo los subtítulos en contadas ocasiones… y de las que más me habrán impactado, fueron las de algunas Óperas, o sus fragmentos, emitidas desde aquellos tiempos en TVE, en las que eran inevitables y muy recomendables los subtítulos * (y asimismo, es de grata memoria el recuerdo de la primera vez que pude ver subtítulos para la Ópera en el Teatro).

Si comparamos la traducción en subtítulos y el doblaje, siempre deduciremos que son arduas tareas de gran complejidad: una para adaptar las palabras a otros idiomas y facilitarnos la lectura rápida; y el doblaje, para que el resultado se escuche con la mayor naturalidad y convicción posible, y ambas precisan horas de dedicación y creatividad, por lo que hay que reconocerles el mérito, tantas veces olvidado, a traductores y a los actores de doblaje.

Es interesante escuchar la voz original de los actores, y personalmente, si la traducción es fielmente adaptada -sin que se pierdan o escapen demasiadas palabras y sentidos en el camino, sería mejor-; pero comprendo que muchos espectadores prefieran el doblaje, aduciendo diversos motivos, como p. ej.: que desean centrar toda su atención en gestos, movimientos, planos cortos, encuadres, composición, reminiscencias, insertos…, mientras escuchan doblajes (esperando también que sean de calidad) con los que se han familiarizado a lo largo de toda una vida; e incluso hay a quienes el bailoteo de leer y remirar simultáneamente les resulta un esfuerzo molesto para la vista, y no sólo por una posible presbicia, ni por mero conformismo o comodidad...

Al igual que puede haber personas que no aguanten bien algunas escenas (irritantes, efectistas…) o se muestren reacias a determinadas temáticas o formas de cine más contemporáneo y experimental, también hay quienes no soportan leer subtítulos mientras ven la película, y su posición es respetable, comprensible… (Sería recomendable siempre la comprensión; eso que suelen llamar: “capacidad de empatía” y que, desgraciadamente, no es una de las virtudes de las que se alardea mucho, no es un atributo de amplias ínfulas).

El mejor ejemplo de tolerancia y humildad, es una saludable actitud de cortesía y consideración con las opiniones ajenas. No es necesario recordar que no existe el monopolio del conocimiento, ni del buen gusto, y que nadie es dueño del mejor criterio.

Comparto la opinión de que, ante esta polémica, lo recomendable sería proponer la proyección cada vez más frecuente de Versiones Originales Subtituladas como alternativa al doblaje tradicional, ofreciendo al público ambas opciones.

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* Sobre la emisión de Ópera en TVE, recomiendo este interesantísimo artículo: "La "Tetralogía" en TVE. Ópera y Televisión: una reconciliación posible", por Arturo Reverter (Ritmo, año LIV, Junio 1983) - desde la web archivowagner.info.

Fleurs 2 (Franco Battiato).

2009-10-01T18:00:00.051+01:00

En pleno y caluroso estío, mientras escuchaba el álbum “Fleurs 2” de Franco Battiato, he recordado aquel concierto del “Patio del Centro Cultural del Conde Duque” en julio de 2008, cuando pude verle cantar en vivo y en directo por primera vez tras unos 23 años como admirador.

Flores: Cala amarilla. Lirio de Agua. Foto: © S. G. C. -Atlante7-.

Aquel sosegado y acogedor día, en el que hasta el cielo armonizaba con la música, cuando danzaban alrededor los vencejos desde su atalaya celeste sobre el escenario… el concierto comenzó con “Haiku” (“Cafè de la paix” -1993-) y su lírico epílogo: una poesía cantada en persa (interpretada por Pouran Ghaffarpour), concretamente el poema: “L'Uomo dell'Isola dei Giardini".

Edith Stein.

En aquel concierto también escuché una canción desconocida para mí, muy especial, que fue un anticipo de su disco: “Fleurs 2”, tras los otros dos álbumes (Fleurs 1 -1999-, y Fleurs 3 - 2001) dedicados a versiones de canciones preferidas de los Cincuenta, Sesenta, Setenta… Aquella canción se titula: “Il Carmelo di Echt" -compuesta por Juri Camisasca (wikipedia, in italiano) -, versión de un tema ya interpretado por su autor; y también por la genial cantante siciliana Giuni Russo -de voz increíble con amplios registros, y timbre peculiar y emotivo, sobre la filósofa y monja carmelita “Edith Stein”.

En Fleurs 2 también escucharemos otro tema de Juri Camisasca –publicado por primera vez en 1975-: “La música muore”, que Battiato canta a dúo con el propio autor (cuyo verdadero nombre es Roberto Camisasca, y que también es el autor del conocido éxito de F. Battiato “Nómadas”).

Son flores aromáticas, de fragancias únicas, esencias florales que nos evocan otros tiempos y sensaciones desde una perspectiva muy personal… consiguiendo versiones auténticas y sonidos inesperados, como en “It’s five o’clock” con sus arreglos, el arpeggio del piano y la guitarra acústica, su fusión entre lo clásico y lo moderno, y el sonido oriental de la melodía del estribillo, con la melódica voz tan primorosa de la cantante iraní Sepideh Raissadat. De esta versión desconocía el tema original, en el álbum It’s five o’clock (1969) del grupo griego de rock progresivo: Aphrodite’s child , integrado por Demis Roussos, Vangelis y Loukas Sideras.

Y finaliza el disco con “L’ addìo” (compuesta por Battiato, Ippolita Avalli, Giacomo di Martino), un tema que también había interpretado excelentemente Giuni Russo, incluido en su álbum “Energìe” de 1981.

*Estos discos de la trilogía “Fleurs” son excelentes, no sólo por sus singularidades en arreglos y sonidos, esta vez acompañado una vez más por la Royal Philarmonic Orchestra, no sólo por la expresividad en su interpretación, en algunas versiones a dúo con otros artistas (Anthony, Anne Ducros, Sepideh Raissadat, Juri Camisasca), sino también por sus canciones inéditas:

De Fleurs 1: “Medievale” y la enigmática “Invito al viaggio”.
En Fleurs 3: “Come un sigilio”.
En Fleurs 2 escucharemos la canción “Tutto l’ universo obbedisce all’ amore” a dúo con Carmen Consoli.

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Me encantan todas las versiones de esta trilogía, pero hay algunas que me han entusiasmado especialmente, sobre todo las de Fleurs 2: como la primera versión del álbum: “Era d’estate” (del cantautor Sergio Endrigo -1963-; letra de: Endrigo / Bardotti), y de Fleurs 3: “Il cielo in una stanza” del cantautor Gino Paoli -1960- (que siempre ha sido una de mis canciones preferidas, y me sorprendió la versión tan espiritual de Battiato); y otra versión con sonidos vanguardistas del Rock sinfónico, que desconocía: “Impressioni di settembre” del grupo italiano de Rock progresivo Premiata Forneria Marconi (PFM), muy popular en los 70.

Azucenas y Azahares.

2009-09-02T20:41:00.073+01:00

Ocurrió hace más de dos meses, a principios del verano, cuando en un jardín distinguí unos tallos de azucenas (Lilium) que crecían prometiendo unas bellas y sugerentes flores blancas… ¿Flores? ¡Esas ofrendas naturales que nacen de la Tierra y la Luz, para conformar un mundo nuevo de colores y aromas!... y a las que apenas prestamos atención, quizá porque tan sólo se valoran como recursos ornamentales y materias primas para fabricar perfumes o remedios naturales, o como símbolos olvidados...

Tras el ruido, los ensordecedores ecos de la civilización, los humos y la prisa constante, la celeridad en mensajes y transportes, es muy posible que perdamos de vista detalles esenciales, olvidados y tan desapercibidos como el de un jardín, un árbol, una flor…

Hemos ganado presteza en esta vertiginosa contrarreloj, pero hemos perdido la belleza del instante, de la espera, la sabiduría del tiempo, cuando aguardábamos para recibir una carta lejana de familiares o amigos, una carta de amor, un manuscrito… es mucho más frío releer un email, y mucho más gélido un sms con sus abreviaturas equívocas, en un lenguaje tan distante e impersonal.

Cuando miré aquellos tallos, las flores creciendo, no pude sino reflexionar sobre las horas, los días precisos para que nazca una flor, y la fragancia del azahar de limoneros y naranjos que parecen querer comunicarse con su generoso aroma en la distancia, anunciándonos el fruto, o simplemente su presencia.

Eurovisión 2009.

2009-05-22T19:36:00.074+01:00

Desde que se fundara allá por el año 1956 (España participa desde 1961), el “Festival de la Canción de Eurovisión” ha cumplido su objetivo de congregar a tantos países en torno a un festival de la canción, de música popular; que ha logrado captar la atención de millones de habitantes del continente y sus proximidades, cada vez más extenso con la ocasión de un concurso musical.

Ha sido muy criticada la calidad de las composiciones que concursan en Eurovisión; no obstante, a lo largo de la historia de este Festival hemos escuchado canciones memorables y con rasgos de calidad; aunque la mayoría perpetúan melodías y ritmos festivaleros, en ocasiones bastante reiterativas.

Si estudiamos la historia del Festival, recordaremos canciones memorables como las de: ABBA; cantantes de voces melódicas como Celine Dion; cantautores como

Franco Battiato, con la canción “I Treni di Tozeur” (compuesta por F. Battiato, Rosario Consentino y Giusto Pío) - que al final quedó en el 5º puesto de Eurovisión 1984-, interpretada a dueto con la cantante italiana Alice, -Carla Bissi-, que con la canción "Per Elisa" ganó el 31º Festival de San Remo en 1981; Toto Cutugno con “Insieme 1992” que triunfó en 1990; aquella buena canción: “Gente di mare” de Umberto Tozzi y Raf; (...por cierto, Eurovisión era mucho mejor cuando participaba Italia); de cantantes españoles como Sergio Dalma. E inolvidables también fueron los triunfos de Irlanda con aquellas románticas baladas del genial Johnny Logan.

El pasado año participaron canciones rítmicas como la de Armenia “Qele, qele” por Sirusho, y bellas baladas más étnicas como la de Serbia, o temas más simpáticos como el de Croacia (en mi opinión, las mejores del año pasado). Este año en Eurovisión, salvo contadas excepciones, ha persistido la tónica del “dance music”, algunas breves incursiones hacia el Rock, aunque se acentúa la tendencia a la fusión del pop con arreglos de otros estilos.

En este Festival de 2009, aunque no estimaba ninguna canción como favorita, las que despertaron mi atención fueron:

Reino Unido, por la calidad de la interpretación y de la voz de Jade Ewen, una canción romántica –que parece compuesta para un Musical, alcanzando notas altísimas-: “It’ s my time”.
La ganadora: Noruega, por Alexander Rybak, y sus acordes de violín con aires folk.
Francia, con la bella y melancólica canción “Et S'il Fallait Le Faire”, por Patricia Kaas.

Estonia con su curiosa “Rändajad” del grupo “Urban Symphony”.

Malta, una melódica canción interpretada por Chiara.

Las imágenes y sonidos del violín evocan la Tradición y la Naturaleza. Noruega ya ganó en 1995 con la canción del grupo Secret garden: "Nocturne", en la que se escuchaban solos de violín –que era más instrumental, y de un estilo todavía más Celta, porque en el fondo lo que se anhela es el regreso a la buena música, la que nos acercaba a la Tierra, a la sencillez, a la cultura, no creo que sea casual este triunfo tan concluyente, de tan elevada puntuación, no es casual.

"Gran Torino".

2009-05-22T18:30:00.025+01:00

Lo más impactante de esta película, dirigida por el actor y director Clint Eastwood, no es la base argumental que se vislumbra desde el inicio del film: un anciano -excombatiente de la Guerra de Corea- reservado, huraño, caracterizado por un indescriptible y melancólico aire de autosuficiencia, así como un comportamiento arquetípico de hombre duro; Walt Kowalsky, curtido veterano de ideas retrógadas, caducas (al que le escucharemos reiteradas expresiones racistas, despectivas, y el uso de constante argot callejero), que se refugia en el rincón solitario de su casa… Lo más efectivo de la película es el desarrollo del guión, y una dirección que indaga la psicología de los personajes con maestría, de forma gradual, sin aspavientos ni moralejas insistentes, además de un peculiar sentido del humor, de un personaje curioso que guarda un fondo de amargura y de dolor.

Esa especie de aislamiento, de la distancia de su familia, de defensiva soledad, no puede petrificarse ante realidades como la convivencia en una misma calle, en un barrio invadido e inquietado por la violencia de las bandas callejeras, ni le asegura la invulnerabilidad propia del héroe imaginario que acababa siempre por imponerse blandiendo las armas del odio, la venganza y el miedo.

Walt Kowalski, (interpretado excelentemente por Clint Eastwood), es un hombre metódico y experimentado, un “tipo duro” e insociable desde la distancia, pero con un indisimulado rictus de amargura en su rostro, encarnando la crítica de una visión trasnochada de la fortaleza y la inmunidad, la perfección deshumanizada, mostrándonos con pasmosa naturalidad los efectos secundarios de la vida real; secuelas, cicatrices… y las arrugadas lecciones de la veteranía, y las conclusiones de la soledad, y el error que se suele cometer al juzgar precipitadamente a las personas; aplicando aquel conocido aforismo que nos recuerda que “no debemos juzgar por las apariencias”, porque tras una máscara ceñuda de altivez e intransigencia, puede esconderse también una persona sensible, que también puede reconocer sus errores, arrepentirse.

“Gran Torino”, más que una respuesta crítica a tantos interrogantes vitales, o la representación de un inusitado cine social, es una lección de filosofía narrativa, de buen cine que no reclama mensaje (porque cada toma, cada fotograma, es un estudiado mensaje)… Sin eludir la referencia a reiteraciones algo prescindibles en algunas escenas humorísticas (como cuando invita al joven Thao -interpretado por Bee Vang- a ensayar varias veces la entrada a la barbería), en general “Gran Torino” brilla por su dirección e interpretación, miradas y encuadres directos, y por asociaciones de imágenes muy sutiles en el trasfondo de la película.

Y precisamente tras esa meditada simplicidad se halla el más preciado valor de “Gran Torino”, cómo transcurre tan plena de detalles introspectivos hasta el final, que no precisamos ahondar en segundas o terceras lecturas, y más cuando se trata de un argumento intrínsecamente relacionado con los efectos de la guerra; por más que se perciba como una metáfora, una alegoría interpretable (o quizás extrapolable), no pierde interés ni efecto alguno si sólo reflexionamos sobre lo que hemos visto: una más que creíble representación de la vida de personajes y situaciones realistas; un extraño protagonista escéptico, incrédulo, que recobra la lucidez ante la evidencia del valor de la humildad y el sencillo agradecimiento, la fuerza del afecto, la riqueza y el ritual del amor en los detalles cotidianos; de ver la realidad, despertar y recobrar la lucidez del amor, del respeto.

Calificación: 8.

Adagio.

2009-03-21T11:18:00.018Z

La etimología, o el azar, deriva en el uso de las palabras hacia la consabida y a la vez inesperada polisemia, una encrucijada semántica, una aparente ambigüedad, el recurso idiomático de una variedad de significados, como la sorpresiva y fértil amplitud en las diversas acepciones del sustantivo “Adagio”, que puede significar: un proverbio (*), una máxima, -escueta frase con mensaje filosófico-; o el conocido movimiento lento musical de conciertos y sinfonías, o de las breves piezas musicales de melodías milagrosas, esas por las que cualquier pena o inquietud puede disiparse, desvanecerse para cobrar el único sentido de escucharla casi sin sentir el paso del tiempo… la música puede ser más que sonido, nuestro verdadero idioma, el más audible.

Un adagio también puede ser más que una foto paisajística: un fotograma de ciudad al amanecer, de calles amplias y estrechas, de pasillos vacíos en las casas, de pálpitos y breves palabras; puede ser la espera en un olvidado sillón mientras leemos algún poema, un silencio cabizbajo o mirando al cielo, el aire de un jardín o de un invernadero, una pausa para escuchar, una sonrisa espontánea… un adagio puede ser un cuadro, ese cuadro que apenas miramos hasta que le descubrimos alguna originalidad, o alguna belleza desapercibida.

De entre los Adagios musicales que más me han emocionado, he recordado estos:

Adagio en sol menor de Albinoni.

Concierto para piano nº 5 en Mi bemol mayor, op. 73. (II. Adagio un poco moto). L. V. Beethoven.

Concierto para piano nº 23 en La mayor. K. 488 (II Adagio). W. A. Mozart.

Concierto para Clarinete en La mayor. K. 622 (II Adagio). W. A. Mozart.

Concierto para piano nº 2 en Do menor. Op. 18 (Adagio Sostenuto). Sergei Rachmaninov.

Momento Musical para piano, op. 16, no. 5 (Adagio Sostenuto). Sergei Rachmaninov.

Adagio del Concierto de Aranjuez. Joaquín Rodrigo.

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(*) Adagio musical: “Una de las expresiones para indicar movimiento o tempo”... "lento y majestuoso"..."Por extensión, un adagio es una pieza musical cuyo tempo es lento. Generalmente se llama así al segundo o tercer movimiento de una sinfonía o un concierto". Wikipedia.

"Cuscús" ("La graine et le mulet").

2009-03-19T23:07:00.017Z

Este título gastronómico, “Cuscús” (el título original es: “La graine et le mulet”), nos presenta un verdadero drama social y costumbrista, dirigido por Abdellatif Kechiche, que trata sobre la vida de una familia procedente del Norte de África, establecida en el sur de Francia; y sobre todo nos cuenta la crisis vivida por Slimane, padre de familia, ya en edad de prejubilación, que sufre la pérdida de su empleo en un momento delicado, por el distanciamiento de su familia tras divorciarse…,pero ante una situación tan penosa reacciona con la iniciativa de crear un restaurante familiar en un viejo barco del puerto.

Con el ánimo de conocer el efecto de estas técnicas de rodaje en las que la cámara en movimiento, los planos y una interpretación muy natural y espontánea protagonizada por actores no profesionales, convergen para mostrar escenas que superan incluso el realismo de un documental, acudí a ver esta película, producción francesa, con título gastronómico y sugerente argumento social (de un estilo próximo al realismo social, que tanto se ha comentado, pero con algunas singularidades más intimistas); y me sorprendió por sus diálogos y secuencias, por su emotividad a raudales, por la expresión tan sólida de una crítica social junto a reflexiones existencialistas, mostrándonos escenas familiares y de costumbres filmadas en gran parte con la técnica conocida como “Cámara en mano” o “Cámara al hombro”, planos subjetivos y primeros planos tan observadores que tampoco eran ajenos a las vivencias y aflicciones personales, la cámara era testigo del sentimiento familiar, de la amistad, pero también de las reflexiones y vicisitudes vividas por cada personaje; y aunque conocía que “Cuscús” recibió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia, y 4 Premios César (entre ellos el de mejor director, y mejor actriz revelación para Hafsia Herzi), evité leer previas críticas y al salir comprobé que duraba unos 150 minutos, pero no se me planteó tan larga como he leído en comentarios posteriormente, salvo en alguna escena familiar, y quizás también en la secuencia del final, que quizá se prolongó demasiado.

La calidad y la originalidad en “La graine et le mulet” no se revela tanto en las técnicas de cámara y abundantes primeros planos, sino más bien en el guión, en los diálogos más emotivos y creíbles, porque esta crítica social no se conforma con la evidencia de las dificultades económicas, sino que trasciende y trasluce la complejidad de los problemas y situaciones personales y familiares que puede padecer una persona, adicionales a sus perspectivas de futuro económico y social. En “Cuscús” se exaltan valores como la iniciativa personal para superar las adversidades, así como la cooperación, la verdadera amistad y el necesario vínculo de unión familiar, que se conoce de verdad en los infortunios y en esas circunstancias más adversas, el verdadero sentimiento, frente a los desaires, las ingratitudes y los momentos de soledad.

La interpretación es sencillamente genial, las referencias culturales y costumbristas son muy naturales, la crítica se expresa mediante un realismo elocuente, pero también mediante ironías, contrastes e imágenes metafóricas alusivas al inexorable paso del tiempo, la ilusión, el sentimiento familiar, y la iniciativa inherente a la vitalidad que permanece en cada persona, ajena a la impresión de las cifras, del impacto o el peso de los números de la edad.

Además de las escenas familiares, imágenes como las del acondicionamiento y decoración del viejo barco, y la interpretación; de “Cuscús” destacaría las primeras escenas desde las que parte la película, y las escenas de continuas reprimendas que sufre este padre de familia (bien interpretado por Habib Boufares), luchador, y verdadero protagonista silencioso de este drama; la angustia y aparente apatía del personaje, que lucha por proseguir, no es más que la viva expresión de su sentimiento más íntimo, más taciturno mientras vive este drama, y una de las imágenes más críticas de la película.

Calificación: 7, 6.

"Una familia con clase"

2009-02-02T21:40:00.012Z

Sin recurrir a profundos análisis, desde los primeros minutos de esta película, dirigida por Stephan Elliot, deducimos que estamos ante una adaptación de una obra de teatro (basada en la obra escrita por Noël Coward: “Easy Virtue”, estrenada en 1925); sobre todo porque su inicio es una lectura continua de conversaciones, de estudiados diálogos en una cuidada ambientación para describir en clave irónica y de humor muy crítico, esta curiosa historia: Un joven inglés regresa a su casa, a la lujosa mansión familiar situada en el campo, anticipando la inesperada noticia de su súbita boda con una elegante y atractiva estadounidense que conoció en Montecarlo, y el impacto causado en su familia, sobre todo en su madre, cuando conoce su imprevisto matrimonio.

Y diría que la primera parte, sin contar determinados planos y secuencias de una estructura en la que se advierte una segunda y tercera parte, es la mejor de la película, desde los primeros encuadres, y el singular plano aéreo del ansiado arribo de la pareja en su ostentoso y deportivo coche, porque el resto, creo que no sólo revela un cambio de ritmo y tempo, sino casi de estilo narrativo, como si de repente las dificultades de adaptación de la nueva habitante de la casa (la bella Larita, que procede del otro lado del Atlántico, interpretada por Jessica Biel), -en un lugar extraño, de diferentes costumbres y aficiones-, exteriorizaran una especie de controversia psicológica y de conflicto de formas de vida, y se intentaran reflejar en un guión que pretende agradar y a la vez sorprender, ofreciéndonos la trama de una comedia dramática clásica de teatro en una película de humor más atrevido y moderno, como nos lo ratificaría la banda sonora elegida para la película, representando alegres escenas de música y baile que moderan los instantes más conflictivos o tediosos, brindándonos algunos planos creativos y complejos, pero cuyo ritmo y originalidad no logran culminar todas las expectativas creadas en un principio.

Gramophone 1914. Fuente: Wikimedia.

Aun consciente de la ardua tarea que supone adaptar una obra literaria al cine, y más arriesgada si ya cuenta con otra versión anterior de Alfred Hitchcock, una de sus primeras películas (“Easy Virtue”, estrenada en 1928, película del cine mudo, cuando ya finalizaba esta era y comenzaban a escucharse las primeras películas del cine sonoro), que no es necesario haber visto para aventurarse a resaltar notorias diferencias; “Una familia con clase” es una película entretenida, con muchos planos y encuadres visualmente logrados (exteriores e interiores: la fotografía de la mansión con sus curiosos objetos y detalles, la torre medieval, así como las imágenes del invernadero…), y una adecuada interpretación (de Jessica Biel, y sobre todo de Kristin Scott Thomas, en el papel de la madre de John Whittaker); pero que al final tampoco resalta especialmente, quizá porque casi toda la fuerza emotiva de esta historia se sostiene y persiste en esa continua discordia entre los dos personajes principales: La “Sra. Whittaker” y su nuera “Larita”, por algunos altibajos de ritmo, o porque el humor tan crítico que se percibe parece no armonizar con los colores del paisaje, de las flores y de la jovial música que se escucha (la versión de la canción “Mad about the boy” –interpretada por Jessica Biel; una singular versión de la canción “Sex bomb”; y también música con sonido de la época.

El Foxtrot es un baile oriundo de Estados Unidos, muy difundido en los Años Veinte-, música de ritmos y arreglos jazzísticos…; y El Tango también entusiasmaba mucho en Europa por aquellos años) creando una atmósfera extraña de alegría en medio de la confusión, de personajes complejos y contradictorios en un ambiente incómodo, algo más lento en la segunda parte, y no tan hilarante como podría pensar quien lee en la sinopsis que se trata de una comedia, aunque cuente con escenas joviales y musicales, -sin adecuarse tampoco a la etiqueta de peculiar vodevil-, podríamos afirmar que es una comedia divertida con algunos altibajos, y bastante critica. Y en mi opinión, lo mejor de la película, además de algunas escenas, es la fotografía (dirigida por Martin Kenzie), la interpretación de actores principales y secundarios y la banda sonora, tanto las versiones de otras conocidas canciones, como la música compuesta por Marius De Vries.

Calificación: 6.7.

Fotografía del cielo.

2009-01-12T21:18:00.007Z

En el ya pasado 2008, a lo largo de un diciembre de nubarrones grises, de penumbras y sombras azuladas que han cerrado al sol su paso, iluminados por diminutos rayos que se colaban entre nimbos y cúmulos, y una lenta lluvia que caía sobre aceras, césped y asfalto… agazapado por el frío en mi cuarto, se me ocurrió mirar al cielo, donde, tras el gris oscuro, descubrí sombras de tonos azulados muy similares a las que se pueden observar en pinturas de diversos estilos, confirmando aquella máxima aristotélica: “El Arte imita la Naturaleza”, porque sus colores parecen expresar mucho más que estados de ánimo: versos libres, poesía visual.

Sombras azules más reales de lo que pudieran parecer, pero que también cambian y pasan… con el viento, aunque no se escuche nuestra voz, ni un sollozo, ni una palabra, ni siquiera el eco de nuestros pasos, y tan sólo se sienta la caricia y el rumor del aire.

Seguro que el sol volverá a salir… aunque sea como un aliado de la lluvia, tanto así, como pasan los días, entre luces y sombras, ruidos y silencios, contrastes y variados matices que dibujan la expresión de nuestro rostro, y nunca nos harán perder la sonrisa.

…Mientras escribía estas palabras, el sol reaparecía en alguna parte. Desde el penúltimo sábado de diciembre ha resurgido con todo su esplendor, aunque soplaba viento del sureste dejándonos una cálida calima…, volvió a salir muy radiante y luego se divisaron nubes en el horizonte que también se han movido con el viento, nubes que vienen y van hasta que resplandece nuevamente el nítido azul del cielo.

*********************

Y después de contemplar la fotografía del cielo, y recordar sabias máximas y adagios…; opté por leer algún buen libro para mitigar o atemperar la melancolía sugerida por las condiciones climatológicas; por lo que me decidí por uno de poesía, abrí las páginas de la antología: -“Poesía española reciente (1980-2000)”. Edición de Juan Cano Ballesta. Ed. Cátedra. 2001. 2002-, donde encontré geniales poemas seleccionados de la obra de grandes poetas desde los años “ochenta”; aunque también me parecen muy interesantes, y me gustaría leer, otras antologías sobre poesía española contemporánea, como la de Basilio Rodríguez Cañada: “Milenio. Ultimísima poesía española” (Madrid: Ed. Celeste/ Sial, 1999) y sobre todo la más reciente de Domingo Sánchez-Mesa: “Cambio de siglo. Antología de poesía española 1990-2007” (Ed. Hiperion, 2007).

“El Greco”. Pintor de la Luz entre las sombras.

2008-12-06T17:36:00.009Z

Cuando miramos un cuadro, no nos paramos a medir el trazo exacto del pincel que descubra secretos o enigmas; lo habitual es que miremos en principio con una visión global, y luego reparemos en formas e intensidades cromáticas… nos detenemos unos minutos de nuestro preciado tiempo para contemplar la obra de un artista, un pequeño mundo concentrado en un lienzo, un fresco, un cuadro descomunal o diminuto, pero probablemente colmado de sueños y sentimientos… Quizás algo similar al momento en que nos disponemos a ver una película en una oscura sala deslumbrados por la luz de la pantalla, y sorprendidos por las palabras y la música…

Salvando las distancias, y el potencial expresivo de la pintura frente a las tecnologías de la imagen y el sonido, acercarnos a una sala de cine es conceder al tiempo de ocio el riesgo de conocer historias diferentes…, atraídos por el argumento, o por el interés de conocer nuevas propuestas.

Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595–1600). Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Estados Unidos. -Wikipedia-.

Si observo la película “El Greco”, (agradeciendo este proyecto dirigido por Iannis Smaragdis y basado en la novela “El pintor de Dios” de Dimitris Siatíopulos, dedicado a uno de los pintores que más me han emocionado desde mi infancia), como si fuera un cuadro: una primera perspectiva y luego adentrándome más en detalles… la verdad es que la conclusión ha sido positiva, un resultado satisfactorio, aún consciente de la narración tan convencional en retrospectiva –escribiendo el relato bajo el arcaico sonido del roce de la pluma en los pergaminos-, de contadas lagunas o desacuerdos en algunos momentos del guión o de la interpretación, frases o referencias mejorables –como la cita alusiva a Cervantes, comprensible como un intento de subrayar la contemporaneidad con un gran artista que también conoció el valor del arte y la fuerza de la personalidad frente a la intolerancia, el miedo y el terror que se vivía en aquellos tiempos de la Inquisición-.

Vista de Toledo (Catedral y Alcázar de Toledo). Foto: Atlante7. 2008.

Las localizaciones en diversos lugares históricos tan primordiales en la vida del Greco: Creta, Venecia, Toledo (enigmática ciudad que casualmente este año he visitado por primera vez)… realzan la fotografía y la composición de la película, el vestuario, las miradas y pausas, notables –aunque resulten tan clásicas- y la interpretación de los actores principales (como la del protagonista, por Nick Ashdon) es muy elaborada y acorde con el ritmo y diseño de las escenas, salvo en contados momentos del guión que no resaltan esta historia, centrada sobre todo en la confrontación entre la personalidad del Greco frente al que llegó a ser gran inquisidor “Niño de Guevara”; uno de los papeles más complicados de interpretar, en un brillante trabajo de Juan Diego Botto.

Para los más exigentes, es muy posible que la película se haya desarrollado de forma convencional, y demasiado pedagógica, con múltiples concesiones al espectador, quizá se esperaban más contrastes o perspectivas enigmáticas, como en los misteriosos cuadros del genial pintor cretense, un guión más poético, centrado en su personalidad, su arte, en los arcanos ocultos entre dos mundos y las figuras alargadas, y sí que se observaron miradas iluminadas, luces y sombras, el mágico momento en que el pincel mezcla la pintura, y no se ha detenido tanto en los elaborados pliegues de túnicas y telas en sus cuadros coloridos; aunque sí que se han recreado espacios e imágenes que parecían rescatadas del tiempo, como las de “El entierro del Conde Orgaz” (que este año tuve la suerte de ver en “La Iglesia de Santo Tomé” de Toledo); y sí se pueden recordar secuencias de bella creación, planos casi como cuadros de la época, y un ritmo que logra que la película transcurra con interesante fluidez; de las que ha sido testigo de gran valor, el semblante de satisfacción de la mayoría del público al salir de la sala tras 117 minutos de duración, escuchando la sugerente música de Vangelis.

Calificación: 7,5.

Leona Naess.

2008-10-11T12:33:00.014+01:00

Desde hace algún tiempo he de confesar que estaba un poco desencantado con la música pop o rock de nuestros días, la música exitosa más reciente, (salvo excepciones que aún me alegran y me ilusionan, como la música de algunos cantautores, grupos de rock o pop de los Setenta y Ochenta que aún permanecen en activo…) y no porque sea nostálgico de los años Setenta u Ochenta, pues los éxitos más recientes que podemos escuchar en la radio y en la TV no me fascinan, y siempre vuelvo a escuchar la música de aquellas décadas más creativas y privilegiadas por la innovación, o vuelvo a la música de cantautores españoles e italianos, retorno a la música clásica, a escuchar a excelentes grupos del pop británico e irlandés, y por supuesto a la música celta… …hasta que, escuchando el CD de la banda sonora de “Bridget Jones. The edge of reason” (2004), me sorprendió una canción de alegres ritmos, bonita letra, y bellas melodías: “Calling”, fui a leer su intérprete y compositora: Leona Naess, una joven artista de Nueva York -aunque, según se informa en Wikipedia “in english”, nació en Nueva York pero creció en Londres-; es una cantautora con un estilo de música muy personal, en el género de la música pop, indie y acústica.

A partir de ese momento me he interesado mucho por su música, ( Leona Naess ha publicado Cuatro CD’ s: “Comatised” (2000); “I tried to rock, but you only roll” (2001); “Leona Naess” (2003) –donde se incluye el tema “Calling”-; y su nuevo álbum se titula: “Thirteens” -2008-); su música es variada, distinta, sugerente y encantadora, de gran calidad, con hermosas letras, así como magníficos y elaborados acompañamientos; por ejemplo, de aquel disco de 2000 me gustan todas las canciones, pero especialmente “Northern Star”, canción de sonidos acústicos en bellas melodías acompañadas por el piano y cuerdas con un sonido muy peculiar, que consigue transmitir poesía entre sus notas musicales, como si realmente contempláramos las estrellas en la noche, e incluso cercano a la música clásica.

Es para celebrar que podamos escuchar la música de compositoras tan creativas, que canten tan bien, con una voz preciosa como la de Leona Naess (Leona Naess en MySpace.com). Espero que incluya España en su futuro programa de conciertos en Europa, y si viniera a Canarias, sería increíble.

"Un verano en la Provenza"

2008-09-25T23:10:00.020+01:00

“Un verano en la Provenza” es la segunda película del director francés Eric Guirado, un interesante guión con el que además de lucir su experiencia en el rodaje de documentales logra encauzar esta historia familiar y costumbrista, urbana y rural, la historia de un joven que decide viajar al pueblo de su infancia, en el sur de Francia, con el fin de ayudar a su familia tras la enfermedad de su padre, al que tendrá que sustituir en el itinerario con el camión-tienda por los extensos alrededores de aquella región del campo francés.

Un estudiado retrato de sentimientos y síntomas a veces olvidados de la realidad social y económica, del progresivo desierto en el que se van transformando los pueblos o alejados núcleos de población rural, de profesiones olvidadas (como la de vendedores ambulantes y pequeños comercios), del progresivo abandono de la agricultura, de las granjas, del recuerdo de las alegrías perdidas de la infancia, del olvido de los mayores y de la tradición, del valor inconmensurable del verdadero afecto y la buena vecindad, de la fraternal y verdadera amistad frente al sordo mundo de incomunicación que puede pervivir en la cerrazón de no saber escuchar ni valorar la importancia de las pequeñas cosas, de los detalles de gran valor, como aprender a ver más allá de la superficie; porque la verdadera amistad no es interesada, ni está sometida a condiciones que no guarden relación con el respeto y el afecto.

Antoine, genialmente interpretado por Nicolas Cazalé, se aferra a su rebeldía y su extraña desorientación, y a la esperanza de haber encontrado una buena amiga, su vecina Claire (Clotilde Hesme), una bella joven de espíritu optimista y jovial.

Y en este periplo por las paisajísticas zonas rurales del sudeste francés, Antoine se reencuentra con lugares de su infancia, acercándose a sus vecinos casi como un desconocido, un anónimo que se adentra por bellos rincones de los pueblos descubriendo un mundo sencillo e ignorado por muchos habitantes de las ruidosas ciudades. Las escenas de este curioso viaje se han filmado con la naturalidad y la sencillez de un documental, pero con una técnica que consigue integrarlas coherentemente, motivando el interés y la simpatía del espectador al intercalar secuencias humorísticas y más tiernas frente a las más tensas y dramáticas, con la fuerza de primeros planos y panorámicas vistas (excelente fotografía dirigida por Laurent Brunet), una banda sonora variada y alegre (compuesta por Christophe Boutin) en sintonía con la historia y el ambiente campestre, donde las cuerdas, melodías y ritmos parece que pretenden entonar el drama con intuición, sin difuminar del todo las lindes entre lo rural y lo urbano. Es una película bien cohesionada y más trascendental de lo que en un principio pudiera parecer, con momentos muy bellos y detalles pictóricos interesantes.

Calificación: 7,7.

Franco Battiato vuelve a triunfar en Madrid.

2008-07-21T12:00:00.031+01:00

Cuartel del Conde-Duque. Madrid.

El gran maestro siciliano ha correspondido una vez más a un público español entusiasmado con sus actuaciones en directo, un público fiel que siempre le ha mostrado gran afecto y admiración, como lo hiciera de forma sorprendente el 29 de septiembre del pasado año en el “Palacio Municipal de Congresos” de Madrid, y como lo confirmó el pasado 16 de julio en el “Patio del Centro Cultural Conde Duque” en la misma ciudad.

El concierto fue muy bien diseñado, abriendo e iluminando aquella diáfana y templada noche de los “Veranos de la Villa de Madrid” con canciones tan sugerentes como "Haiku" ("Caffè de la Paix" -1993-), “L ‘ Oceano di silenzio” (del LP “Fisiognomica” -1988-), y algunas también bastante reflexivas y espirituales (advirtiendo al público de forma muy sincera y simpática, que habrá “energía” para más tarde, “paciencia”), e intercalando algunas canciones de su último disco “Il Vuoto”(2007): la magnífica “Aspettando l’estate”, "I giorni della monotonìa", “Niente è come sembra” y la primer canción que da título al disco, con canciones emblemáticas de su etapa más conocida de los Ochenta y Noventa, y luego con otros títulos de producciones precedentes a “Il Vuoto”, como “Tra sesso e castità” de su anterior trabajo: “Dieci stratagemmi” (2004), acompañado por excelentes músicos y en muchas de sus interpretaciones también por el grupo de rock FSC, y por las jóvenes del grupo MAB (que han demostrado su calidad interpretativa); describiendo un selectivo recorrido por su trayectoria más conocida por la mayoría del público (sobre todo por los más admiradores y expertos conocedores de su obra).

De “Ferro Batutto” (2001) nos brindó “Il cammino interminabile”, bella canción en siciliano; y de “Fleurs” (1999), la versión de la célebre canción de los Rolling Stones: “Ruby Tuesday”, fue increíble, el público quedó deslumbrado con la actuación tras escuchar una versión muy bien lograda y original. Y no menos increíble fue la tan esperada como aclamada por el público “La Cura” de “L’imboscata” (1996). Al final, para contentar a un público ya más que encandilado y fascinado, tanto, que buena parte de los espectadores continuó aclamando a Franco Battiato hasta el final bailando al ritmo de sus canciones e invitándole a continuar el concierto, después de varias salidas de “Il maestro”, que cantó una maravillosa canción acompañado tan sólo al piano, magníficamente interpretado por: Carlo Guaitoli, y nos recordó aquellas inolvidables canciones de los Ochenta: “L’era del Gingiale Bianco”, y aunque creo que nadie se lo esperaba: fue una sorpresa escuchar “Magic Shop” (de aquel interesante LP de 1979); … “La stagione dell’amore”, “Cucurrucucú”, “Voglio vederti danzare”(1982), y otros títulos tan relevantes del LP “La voce del padrone” (1981) como son “L’animale”, “Segnali di vita”, “Gli uccelli”, y “Centro di gravità permanente”. El concierto duró casi dos horas, y por si dudaban de la multitud de fans que allí aplaudían con fervor (que para mi sorpresa, muchos eran más jóvenes de lo que pensaba), la mayoría coreaba las canciones en italiano.

Las personas que tuvimos la suerte de estar allí esa noche sabemos que presenciamos un concierto inolvidable, y para mí especialmente porque es la primera vez que he visto cantar en directo a Franco Battiato, que sabe que en este país tiene muchos admiradores que no nos hemos conformado con escuchar aquellos discos tan exitosos, sino que nos hemos interesado en profundizar en el conocimiento de toda su trayectoria desde sus comienzos.

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Su último disco “Il Vuoto”, que salió al mercado para Italia en febrero de 2007, es muy recomendable para los que quieran escuchar esta nueva experiencia musical del siciliano, diversa, variada, original, disco en el que ha contado una vez más con la Royal Philarmonic Orchestra como lo hizo en “Dieci Stratagemmi” (2004), un reflejo de la evolución de la música y sus múltiples recursos cuando los utiliza con sabiduría un autor de la calidad de Franco Battiato. Vanguardismo y experimentación, reverberaciones de la música clásica y de la tradición con un sentido meditado. Me ha sorprendido nuevamente con unas canciones excelentes, como la poética y bella “Aspettando l’estate”.

"Aritmética Emocional".

2008-07-12T10:28:00.014+01:00

La paradoja del título nos revela gran parte de los entresijos de este drama, sobre una de las secuelas más dolorosas que viven las personas que han sido víctimas de horrores como los del Holocausto, porque la lucha por la supervivencia trasciende incluso los más duros momentos para vislumbrar un futuro en el que poder convivir con el inevitable recuerdo, y esta película reflexiona en voz alta sobre el esfuerzo por armonizar la justa y necesaria memoria para denunciar hechos terribles que no deben repetirse, con el olvido necesario para convivir con el recuerdo sin renunciar al presente ni al futuro.

Las emociones no son calculables, como tampoco son un simple producto bioquímico del pensamiento y el sentimiento, son parte ineludible de las personas, la que realmente nos hace más humanos, aunque a veces nos cueste tanto expresarlas en palabras, para luego aprender que el autoconocimiento y la experiencia nos pueden ayudar a comprenderlas y a controlarlas… Es difícil olvidar experiencias dolorosas, y no menos difícil pero posible y necesario es aprender a vivir con trágicos recuerdos oteando nuevos horizontes, quizá por eso la película insiste en el intento de armonizar lo que en un principio se plantea como una disyuntiva emocional. Y esta propuesta es la que se logra materializar con altibajos en este film, dirigido por Paolo Barzman, de interesante guión (escrito por Jefferson Lewis, basado en una novela de Matt Cohen) y paisajística fotografía, dirigida por Luc Montpellier.

El punto de partida es una bella casa de campo de Canadá, desde la que fluyen imágenes y diálogos que retratan fielmente varios personajes de gran fuerza emotiva, excelentemente interpretados por un reparto de lujo: Susan Sarandon (Melanie), Max Von Sidow (Jakob Bronski) y Christopher Plummer (en una magnífica interpretación de David Winters, el marido de Melanie), Gabriel Byrne (Christopher Lewis) y Roy Dupuis (que interpreta a Benjamin Winters, hijo de David y Melanie). Y aunque se le ha criticado por el uso repetitivo de flashbacks en blanco y negro, esos breves incisos en los grises y oscuros rincones de aquel campo de concentración de Drancy, -instalado por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, situado en el extrarradio al noreste de París… (quizá menos conocido, Drancy era un campo de tránsito hacia campos de trabajos forzados y a campos de exterminio, hacia Auschwitz)-, ...tristes y oscuras imágenes del pasado, desde el recuerdo, que logran un efecto de contraste con el colorido y bucólico paisaje campestre del Canadá y sus amplios horizontes; comprobaremos un avance gradual y paulatino en el desarrollo de la película, cuya complejidad inicial parece obstaculizar la fluidez del planteamiento, el aturdimiento silencioso causado por la llegada de viajeros que vienen de tan lejos, también desde el pasado, una especie de silencio protector o una parquedad expresiva que parece aletargar las emociones bajo la sombra de amplios espacios en el sosiego rural, tras encuadres pictóricos y breves conversaciones, formas o técnicas que ralentizan la película, pero que poco a poco logran captar nuestra atención y motivarnos a escuchar y a comprender los sentimientos vividos por sus personajes, por medio de diálogos que luego se tornan intensos, abundantes imágenes metafóricas, incluso referencias místicas o religiosas, y una banda sonora acorde con el tono melancólico de este drama, pero quizá anhelante de pausas o instantes de silencio para enfatizar su emotividad en los momentos más claves de esta historia; por lo que “Aritmética emocional” puede resultar en algunos minutos bastante clásica y reiterativa, como también algo dispersa.

Ese cromatismo simbólico, una brillante e impecable interpretación, y la música compuesta por Normand Corbeil, que realza las bellas localizaciones y momentos románticos, con planos hermosos como los de la mesa y la granja, desde las que se pueden escuchar sabias frases, como si fueran adagios, y algunas escenas como las del recital poético de Jakob en el granero, (el personaje más intenso frente o junto al de David), la clásica pero elocuente escena de la lluvia… son garantía suficiente para afirmar que estamos ante una buena película, a pesar de que, en mi opinión, algunas secuencias como las de la carrera que desde la camioneta emprende la protagonista frente al tren para adelantarlo y cruzar temerariamente el paso de barrera, son bastante prescindibles y no aportan nada a esta historia, por muy metafóricas que parezcan, por mucho que denoten un estado de nerviosismo e inseguridad, o que nos recuerden escenas similares de muchas películas… así como la parsimoniosa lentitud en algunas escenas de la casa, comprensible por el ambiente rural, pero que pueden ocasionar un ligero sopor o aburrimiento del que sólo nos libera un argumento interesante y una ambientación poética; aunque sus altibajos de ritmo y algunas alegorías poco naturales o sutiles desdibujen parte del diseño de este drama.

Calificación: 6,8.

"Mil años de Oración"

2008-05-12T21:08:00.013+01:00

Es una historia muy emotiva y a la vez tierna, sutil e intensa, que logra cautivar al espectador tan sólo con imágenes, diálogos breves pero perspicaces, pausas de silencio y la mirada comunicativa de unos personajes genialmente interpretados. Y aunque la historia en un principio se centra en las dificultades de comprensión en las relación padre-hija, pues el tema central trata de la visita del padre, un viudo jubilado de Pekín, a su hija: la joven "Yilan" que vive en Estados Unidos donde trabaja como blibliotecaria, viajando desde tan lejos con el afecto de pretender ayudar a su hija a sobrellevar la ruptura sentimental después de su divorcio, hecho que suscitará el conflicto sentimental, y que será el principio para desarrollar un argumento basado en la distancia y la incomunicación. La película logra motivar la reflexión sobre la contraposición entre culturas diversas y generaciones con diferente historia, distintos valores y objetivos, las barreras culturales y comunicativas, y todo ello bajo una óptica interesante, con un sentido del humor que resta dolor y parece dejar una sensación de serenidad más que de consuelo, de lúcida mesura más que de resignación.

No es necesario referirse a la Concha de Oro con la que fue galardonada, y Concha de Plata al mejor actor, en el Festival de San Sebastián, no se precisa recurrir a los éxitos recibidos por “Mil años de oración” para avalar una crítica elogiosa, la mejor crítica es la de recomendar amigablemente acudir al cine para ver esta magnífica película que no te dejará indiferente si valoras el buen cine; una obra personal en la que se observan contrastes emotivos mediante planos algo fijos, casi como fotografías, y donde la música y el silencio también son importantes protagonistas. Y aunque no conocía gran parte de la filmografía precedente de este gran Director: Wayne Wang, si me interesó mucho más después de leer que ya había demostrado su genialidad como retratista de sentimientos en una de sus películas anteriores aclamadas por la crítica: “Smoke” (1994) y Director de "El Club de la Buena Estrella" (1993).

Ya desde el comienzo nos impresiona la escena de la recepción en el aeropuerto, la sorpresa, el interés y la buena predisposición del padre (El Sr. Shi), interpretado brillantemente por Henry O… Y la frase que responde la hija (interpretada por Faye Yu) a un padre entusiasmado por la cordialidad y el júbilo que percibe en la gente, recién llegado de tantos kilómetros y costumbres a distancia. Y diría que el padre parece ser el principal personaje de la película, a la luz de los diálogos y las escenas como las de sus conversaciones amistosas con una señora también emigrante, con la que se comprende muy bien a pesar de hablar idiomas diferentes, porque hablan con el idioma del alma, de la emoción y de la soledad, de la complicidad de padecer sentimientos similares en un mundo nuevo y extraño. Y recordaría muchas frases inolvidables de su excelente guión, escrito por Yiyun Li (basado en su novela "Mil años de buenos deseos"), pero sobre todo aquella frase de Yilan, la hija, cuando le responde al padre: “...Se puede ser callado y ser feliz”.

Hace tiempo que estaba intentando hallar una definición o las condiciones que pudieran retratar lo que significa una buena película, y aunque sigo opinando que no hay un arquetipo de buen cine, una definición exacta ni determinante, este es un gran ejemplo: Sin excesivos presupuestos, bellas localizaciones, breve, tan sólo 83 minutos muy bien aprovechados, fotografía locuaz y diálogos naturales pero muy inteligentes, y además un buen sentido del humor.

Calificación: 8,7.

El Buen Cine y la Música.

2008-05-12T20:30:00.026+01:00

El buen cine.

La transformación del pensamiento a la que obligan las circunstancias históricas, lo que se ha denominado: el contexto histórico y social, siempre termina por influir en los estilos y corrientes culturales paralelas a la búsqueda de nuevas vías de expresión artística; el cine no es ajeno a esta evolución continua, y un análisis de la Historia del Séptimo Arte a lo largo del siglo XX nos explicaría cierta progresiva tendencia a rehuir de lo convencional…

Si le preguntáramos a un espectador habitualmente interesado por el Cine de Autor, por el Cine Independiente, por qué motivo abandonaría la sala de cine donde se proyecte alguna película que sea aclamada por la crítica y por muchos cinéfilos, es muy posible que te responda: “que lo haría si le aburre demasiado, si no le dice nada, y en ocasiones porque puede que su temática o algunas escenas le causen sensaciones desagradables…”.

Afortunadamente no existe un solo tipo de cine, no hay reglas establecidas para determinar “el buen cine”; y el aficionado, que suele también mostrar también interés por la pintura y la literatura, la fotografía…, conforme avanza en su experiencia de conocimiento y aprendizaje de este arte, también va evolucionando en sus preferencias y su admiración… pero aun comprendiendo esto, es posible que para algunas personas no sea tan cómodo aceptar que el concepto de “buen cine” es relativo y puede ser diferente.

Arte, comunicación y entretenimiento.

Hace muchos años, fue a finales de los Ochenta (1987) le escuché decir a un gran cantautor unas palabras muy interesantes, el maestro siciliano: Franco Battiato, en una entrevista que concedió a TVE para aquel memorable programa sobre arte: "La Estación de Perpignan" -dirigido por Paloma Chamorro-, cuando respondía a una pregunta sobre la música culta contemporánea: “…Me opongo a todas las formas que no llegan a transformarse en contenido, en comunicación, y que por lo tanto no son musicales…”. Si intentamos comprender la progresiva evolución de la historia de la música, para reparar en sus mayores o vertiginosos avances no es necesario remontarnos o limitarnos a la época de la música dodecafónica ... En la época de la Música Romántica, por ejemplo, hay obras tan precursoras, que no lograron ser comprendidas por el público en sus primeros estrenos y requirieron el paso del tiempo para conectar con un público más receptivo.

Joannes Brahms.

Según los expertos, los compositores más innovadores de la época Romántica fueron: Wagner y Liszt, y sobre todo Richard Strauss; pero sin olvidar a uno de los mejores músicos de la Historia: Johannes Brahms, un excelente compositor, muy perfeccionista, que sabía conjugar muy sabiamente ciertos aspectos del estilo Clásico con el Romántico de forma innovadora, muy elegante y original. La *Cuarta Sinfonía en mi menor op. 98 de Brahms, considerada su última gran obra, una obra maestra escrita entre 1884 y 1885, y estrenada el 25 de octubre de 1885 en Meiningen, es una significativa representación de su personal estilo: estructura, cohesión interna, clasicismo, y a la vez innovación en melodías de gran fuerza emotiva, muy comunicativa. Aunque algunos críticos y melómanos resalten la Tercera Sinfonía como la mejor, la Cuarta es sensacional.

*(Una de las mejores versiones de la Cuarta Sinfonía de Brahms es la dirigida por Herbert Von Karajan (1908- 1989), entre otros grandes Directores que recomiendan muchos críticos musicales; aunque he escuchado la de Carlos Kleiber (1930– 2004) y también me parece singular, sorprendente).

El arte fue evolucionando desde el primer tercio del siglo XX en la búsqueda de nuevas formas de expresión, tanto en la música como en el cine. El cine más vanguardista y experimental prescinde de señales o signos de comunicación básicos o convencionales, en la búsqueda de un lenguaje novedoso y personal... pero no es menos cierto que a veces se pueden rozar o rebasar ciertos límites estéticos, hasta incluso alcanzar la ininteligibilidad y el momentáneo malestar; motivo por el que buena parte de cinéfilos, por muy predispuestos que estén a conocer originalidades creativas, o el “cine posmoderno”, prefieren evitar algunas curiosidades del celuloide, así como las de un estilo extremadamente radical o alternativo… y no sólo por la paciencia requerida para ver escenas impactantes o extrañas secuencias, (aunque puedas descifrar el sentido de planos fijos interminables), sino también por su temática, sus imágenes y su guión… En la música más vanguardista y la experimental podemos distinguir varios tipos de sonido extraños y más o menos agradables, porque no es lo mismo el sonido “efecto sonoro”, que el sonido “ruido”, hay música basada en sonidos “ruido” que puede resultar irritante además de inasequible.

El cine es un arte, pero también es un espectáculo, es una vía de comunicación y expresión, pero no nos olvidemos que también lo es de ocio, y por qué no decirlo: de útil y reflexivo entretenimiento. No es una imposición pues, como todo arte, es libre, también se desarrolla fundamentado en la inspiración y la cooperación, frente a una concepción del mundo más competitiva, aunque también respeta lo individual.

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Recuerdo que en una conversación sobre la cinefilia, un amigo afirmaba que le gustaban las películas que le transmitieran emociones a través de imágenes y diálogos de historias interesantes que susciten el debate, la reflexión, y luzcan secuencias originales acordes con la propuesta de la película, una armonía casi mágica e inexplicable, quizá lo que le añadiría es… que, si es posible, transmitan valores y sentimientos positivos. (La crítica social puede crearse o perfilarse desde una óptica más irónica y humorística, y menos desgarradora).

En cuestión de opiniones, por suerte nunca encontraremos fórmulas exactas, matemáticas, pensamientos únicos, ni siquiera en las críticas de los más expertos; y un hecho que puede corroborar esta afirmación es la discrepancia que reflejan los diversos comentarios acerca de las novedades de la cartelera, que muchas veces no celebran igualmente la genialidad de una película.

¿Qué es el buen cine? Quizá no deberíamos preocuparnos tanto por definirlo; veremos que siempre podríamos apreciar películas clásicas, y comprobaremos que las mejores películas integran diversos estilos, basadas en distintos argumentos y épocas. Eso sí, ya que el cine ha evolucionado tanto desde la época del cine mudo y contamos con el privilegio de la música, la banda sonora puede contribuir a mejorar escenas y a enaltecer una buena película, bien contrastada con algunos instantes de silencio, cuando analicemos un film no nos olvidemos del sonido, y de la música.

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Fuentes de consulta y Bibliografía:

* Wikipedia. (Música Romántica. Cuarta Sinfonía de Brahms). En Wikipedia hay muy buenos artículos sobre Cine e Historia del Cine, son muy completos, donde también se pueden encontrar interesantes referencias bibliográficas sobre Historia del Cine.

* Un libro que recomiendo mucho a los aficionados a la Música Clásica, a las personas interesadas en profundizar en su conocimiento para escuchar "las principales obras de los compositores más importantes" es: "La discoteca ideal de Música Clásica". (Kennetth y Valerie Mcleish, y Arturo Reverter). Editorial Planeta (1994), escrita por prestigiosos musicólogos, una guía muy útil.

"Caramel"

2008-02-05T12:35:00.002Z

En esta película se demuestra cómo los pequeños dramas que viven las personas pueden ser un argumento ideal para el cine, cuando se saben plantear en un guión tan bien realizado y se acierta con una dirección tan adecuada como esta, con gran maestría de Nadine Labaki, directora (en su primer largometraje), intérprete y coguionista de “Caramel”, donde se narra la historia personal de varias mujeres que dialogan en una pequeña peluquería, un centro de belleza como punto de encuentro desde el que afloran sus pequeños grandes dramas y vivencias personales, la complicidad en un ambiente amistoso en el que intentan mejorar su aspecto exterior para también fortalecer su interior.

La interpretación de todas las actrices y actores secundarios es excelente, de una gran belleza, retratando sobre todo la historia de varias mujeres en tres etapas de la vida: juventud, madurez y senectud, que viven en Beirut, donde fue rodada “Caramel”, en la que también hallaremos escenas en las que se sugiere con sutileza la contraposición entre culturas. Desde un lugar tan cotidiano y sencillo como una peluquería de un barrio, se plantean temas como el amor, la infidelidad, el paso de la vida, la vejez, esos cambios que hay que asimilar intentando mantener al máximo nuestro espíritu juvenil, porque una de las grandes moralejas de esta historia puede ser más evidente sobre la belleza de la juventud: aunque aparezca como muy efímera y fugaz en su apariencia externa, siempre nos quedará algo de ese “divino tesoro”, aunque se resistan las canas y las arrugas, y se pierda elasticidad, el rodaje de la vida con sus gozos y sus daños nos proporciona las ventajas de la veteranía, y es aconsejable mejorar nuestra imagen, como también es conveniente aceptar el paso del tiempo y aprovechar sus virtudes.

En “Caramel” se consigue atraer el interés, a pesar del cierto tono agridulce de las historias que se desarrollan al plantearnos dramas y conflictos sentimentales contrastados con el humor, por medio de imágenes muy peculiares, sencillas y costumbristas, además de una agradable y coherente banda sonora. Su mayor logro es el de interesar al público con historias que pudieran parecer muy cotidianas y poco originales, pequeños grandes dramas vividos por las personas, que a veces ignoramos, y que aquí resurgen como tramas centrales de esta película donde se exalta el valor de la amistad.

Calificación: 7,3.

“El amor en los tiempos del cólera”.

2008-02-05T12:21:00.001Z

Me cuesta tanto criticar negativamente una película, valorar una obra tan laboriosa que precisa de extenso tiempo y de un ejemplar trabajo en equipo, que suelo evitar los comentarios más críticos acerca de películas que no me hayan agradado lo suficiente ...y a veces me pregunto que quién soy para juzgar los aciertos o desaciertos de una película, pues tan sólo pretendo expresar mi opinión como un modesto cinéfilo, y siempre he pensado que es mejor intentar hallar la parte positiva para contrastarla con los aspectos que considero menos satisfactorios de un film.

Decidí acudir a ver “El amor en tiempos del cólera”, dirigida por Mike Newell, y basada en la novela homónima de Gabriel García Márquez, sin leer previas críticas ni escuchar comentarios, sino como un espectador seducido por el argumento de la película e interesado por las adaptaciones al cine de grandes obras de la literatura, y en este caso de una historia sobre un amor casi imposible que puede vencer el obstáculo del tiempo... y aunque, en mi modesta opinión, lo mejor del guión fueron precisamente las frases que los personajes nos brindan en un entorno tan paisajístico, con el fondo de imágenes tan bellas de Colombia en aquella época de fines del siglo XIX: las mansiones y las casas, la ambientación del pueblo, los caminos de tierra, la travesía del vapor que navegaba por aquel río, los encuadres y planos interiores, los planos aéreos... sin embargo, consciente de lo difícil que puede ser adaptar una novela, traducir el sentido de palabras escritas a las imágenes y diálogos de una película, porque el arte del cine tiene puntos en común con la literatura, con la poesía, pero utiliza un lenguaje diferente; en mi modesta opinión, creo que no se logró transmitir la belleza de esta historia, además de que se observa que el ritmo decae en la mitad de la película, y en algunos momentos me pareció aburrida, a pesar del interés del argumento y de la fotografía, conforme avanza la película sientes que se prolonga demasiado; y creo que las mejores interpretaciones del reparto fueron las de Unax Ugalde, (que interpretó a Florentino en su juventud), y la de la actriz que representó a la madre de Florentino: Fernanda Montenegro.

No obstante, reitero que lo inolvidable de esta adaptación al cine de “El amor en tiempos del cólera” pueden ser algunas escenas, las frases poéticas recitadas con el fondo de bellas imágenes, y la conclusión, (aunque no haya leído esta novela, y sí que he leído otras novelas de G. García Márquez, se percibe que ha sido planteada con gran respeto hacia la obra literaria); frases como la que pronuncia Florentino Ariza (interpretado por Javier Bardem) cuando observa el mar embravecido en la tormenta: “Mi corazón es como el mar, infinito y sempiterno"; y frases de la última parte de la película, en los diálogos entre Florentino Ariza y Fermina Daza.

Calificación: 6.

"Viaje a Darjeeling".

2008-01-12T20:09:00.001Z

Es una original comedia dramática sobre la historia de tres hermanos: Francis, Peter y Jack, algo distanciados, que después de una crisis familiar ya más que latente, agravada por la muerte de su padre y el alejamiento de su madre, y animados por la singular propuesta del mayor de los tres hermanos, Francis, deciden viajar juntos por la India para encontrarse a sí mismos y fortalecer su unión, sus lazos fraternales, con un inesperado itinerario en un tren: "Darjeeling Limited" (que es el título original de la película).

Desde el comienzo, en la primera parte, podemos admirar unos planos interiores de fotografías coloridas y humorísticas que retratan los personajes de forma peculiar; el primer minuto de secuencia, en el cortometraje con el que se inicia la película, interpretado por Jason Schwartzman y Natalie Portman, nos anuncia que no estamos ante una comedia clásica, tradicional o típica, estamos ante una obra que luce la libertad creativa con algunas concesiones al espectador, y el sentido del humor es más profundo de lo que parece; aunque no conozco la filmografía anterior de Wes Anderson, películas como "Life aquatic" (2004) o "Los Tenembaus. Una familia de genios" (2001), "Academia Rushmore" (1998), que recibieron muy buenas críticas por su humor tan personal y arriesgado, este film me parece sencillo y bastante personal.

Pero el verdadero desarrollo del film comienza con la segunda parte, presidida por una primera escena ralentizada de la salida del tren, muy significativa de esta historia familiar, que se expresa por medio de metáforas e ironías para describir la vida de los tres hermanos en el tránsito de su viaje a la India, reflexionando sobre las dificultades en las relaciones fraternales basadas en la confianza mutua y sus límites, esa esfera de intimidad, independencia y libertad que siempre reside en cada persona, por muy extrovertida y entregada que pueda llegar a ser, las rivalidades y las diferencias de personalidad, los rasgos más dominantes o la intolerancia, que suelen complicar la comunicación y el entendimiento entre las personas..., auténticas paradojas entre generosidades, rencores y reproches constantes...; donde el viaje y el tren pueden simbolizar toda una vida, ese tren que parece no conocer un exacto destino, porque tampoco los personajes están predestinados, y las rutas previstas o preconcebidas tampoco les sirven, sino su propio valor y unión para proseguir en el camino y decidir cómo afrontar las diversas situaciones que se les presentan. La película discurre de forma muy fluida y con cambios de ritmo bastante acertados, y el viaje resulta ser verdaderamente espiritual, una espiritualidad que no sólo encontrarán en los templos, y en bellas imágenes y parajes curiosos, sino en lo que acontece en su propio viaje.

A pesar del aparente absurdo de los diálogos y escenas, cada secuencia y cada palabra tiene aquí su razón de ser, y podría decir que no son fruto de la improvisación, sino de un meditado estudio, porque esta comedia se desarrolla como un verdadero poema, un poema visual, con una brillante interpretación de Jason Schwartzman, Owen Wilson y Adrien Brody, además de Anjelica Huston en su papel de madre de los tres hermanos, y hasta la gran interpretación de los actores secundarios, buena fotografía y con una excelente dirección de esta película, minuciosa y de amplias miras al mismo tiempo.

Entre las escenas memorables, además de las secuencias ralentizadas, en las que uno de los personajes corre para no perder el tren, destacaría la del plano aéreo y prolongado del pueblo, el paseo por aquel mercado, y aquellas en las que los tres hermanos cesan sus conflictos para unirse ante las situaciones más trascendentales de la película, que surgen de forma inesperada en esta comedia, y que la desarrollan con tal excelencia que, a pesar de incluir un tema más trágico, -quizá no sería tan adecuado clasificarla como un drama, sino más bien podría considerarse una comedia dramática y filosófica-, se ha logrado un resultado muy particular y genial.

Calificación: 8.

"Tierra", mucho más que un documental.

2007-12-22T18:14:00.002Z

(Aunque ya no esté en cartelera, y hace ya bastante tiempo que la vi en el cine, pero la recuerdo con agrado, la verdad es que me gustó mucho y quería comentar este documental, como homenaje y agradecimiento).

Tierra, documental producido por la BBC, que se estrenó en las salas de cine españolas el 26 de octubre, y ya se había presentado en la Sección No Oficial de la pasada edición del Festival de San Sebastián con gran éxito, dirigida por: Alastair Fothergill y Mark Linfield; es mucho más que un documental sobre naturaleza. Desde el comienzo sorprende con una excelente fotografía y unas imágenes increíbles (algunas de estas escenas tan reales, se lograron tras mucho tiempo de esfuerzo, soportando condiciones climáticas y geográficas adversas para filmarlas, utilizando técnicas de filmación muy avanzadas), con las que se narra la complicada desventura que están viviendo algunos animales: el oso polar, las ballenas, los elefantes, las aves…, para sobrevivir tras los cambios que está padeciendo la Tierra, debidos al conocido y comentado "Calentamiento Global" o "Cambio Climático", siguiendo la trayectoria del sol, las cuatro estaciones desde el Ártico hasta la Antártida.

La existencia de estos animales peligra si no se detiene este proceso de deterioro progresivo del clima con todas sus consecuencias (y la contaminación del mar)… Se refleja la belleza, como explica el narrador del documental de forma tan comprensible y didáctica unas imágenes no tan lejanas pero sí bastante desconocidas, "lo que ahora tenemos", lo que todavía nos queda, la belleza que a pesar de todo aún sobrevive, toda la vida que se está viendo amenazada por estos cambios causados por la acción humana, por el uso de energías fósiles como el petróleo, las emisiones de humos y gases que saturan la atmósfera de la Tierra, y el ingente derroche de energía tan característico de las sociedades de consumo.

Este sencillo y a la vez excelente documental no sólo es útil para el debate, para la educación ambiental, o para disfrutar de unas excelentes imágenes, sino sobre todo para la toma de conciencia, para comprender la realidad de nuestra situación actual, y las perspectivas de futuro de este planeta, y de la humanidad.

Calificación: 10.

La quietud del mar.

2007-12-09T12:42:00.005Z

Un paseo vespertino por la Avenida Marítima puede ser muy evocador, más que sentir cómo dejas el rastro de tus huellas en la arena de una playa solitaria, que se diluyen rápidamente con las olas en la orilla, cuando caminas con la única compañía de la brisa mientras pasa algún ciclista que se desplaza más raudo por su carril, pero con menos tiempo para reparar en la quietud del mar, en las gaviotas...; ver el cielo nublado del atardecer reflejado en unas aguas cada vez más azules, ocultando temporalmente las estrellas y planetas... mientras oscurece el cielo y se encienden las luces del autopista tras la sombra de altos edificios...; quizá te deslumbraría más contemplar la costa a más velocidad en tus pies, que pueden sentir las gélidas aguas en la orilla de un mar desconocido, pasear con tu perro...; nadie te conoce y pasas indiferente al frío... y sólo se te ocurre pensar qué banda sonora sería la más adecuada para una imagen tan serena como esta.

Paseaba solitario, y la quietud de las aguas en aquel día tan escaso de olas, me sugirió el recuerdo de algunas piezas musicales como posible banda sonora para este bello y enigmático panorama de la ciudad: El "Andante Spianato" de Chopin (también su Nocturna Nº 15, Op. 55/1 en Fa menor), "Sueño de Amor" de Franz Liszt, el "Andantino" del Concierto para Piano y Orquesta Nº 9 de Mozart, o el segundo movimiento: "Romanze" del concierto para piano y orquesta Nº 20, también del compositor austríaco: Mozart; o también la conocida "Gymnopédie" nº 1 de Erik Satie.

Lentamente, mientras avanzaba el crepúsculo, ya entrada la noche, cuando se tornaban visibles en la distancia las luces de Neón de los anuncios frente a la salina brisa que flotaba en el aire casi imperceptible, esa diluida niebla que deja su rastro en la piel, en la ropa, en los parabrisas, en el cemento y el asfalto…, comprobé cómo las luces van iluminando el litoral mientras recorres un largo paseo caminando a paso acompasado, a tu propio ritmo.

Los paisajes rurales o campestres, también denominados "bucólicos", o los de la costa y la playa, siempre suelen sugerir alguna música descriptiva o romántica, no sé qué motivos diversos inspiraron a sus autores para componer obras tan bellas y sutiles, lejos de un ámbito urbano como el nuestro, pero la belleza de estas notas tan lejanas en el tiempo, esa lucidez narrativa de la melodía, las dota de universalidad e intemporalidad hasta el punto de reflejar también una sencilla pintura como la de este paseo, este remanso de paz en el entorno estresante de la ciudad, aunque sólo se escuchara un ligero rumor del mar tras el ruido de los coches, mirando la perspectiva de los postes, respirando el humo y el olor a sal.

La quietud del mar en la ciudad no es el presagio de una tormenta, ni el vaticinio ineludible de su bravura silente tras el ruido de los motores de combustión..., ahora que sabemos que el clima está cambiando con el "calentamiento global"..., tan sólo es un momento apacible de esos que a veces se nos escapan: el paso del tiempo, la frágil estela de las luces cegadoras de la ciudad.

Odette, una comedia sobre la felicidad.

2007-09-23T13:06:00.002+01:00

Es posible que gran parte del público ya esté cansado de películas que vibran por su monumental proyecto, por cuantiosas inversiones, por el ansia de consolidarse en la taquilla como un Título inolvidable de la gran pantalla; puede ser que mucha gente a veces cuando acude a la sala de cine, lo único que busca es una historia entretenida, una comedia romántica, una trama sencilla que reflexione sobre ciertas verdades de forma positiva, irónica y humorística... Y son estas cualidades las que resaltan en "Odette, una comedia sobre la felicidad".

Lejos de cualquier comparación, evitando la referencia a su posible semejanza en el estilo con la conocida "Amelie", el valor y la originalidad de esta película dirigida en su debut cinematográfico por Eric-Emmanuel Schmitt (autor de "El Señor Ibrahim y las flores del Corán", adaptada para el Cine por François Dupeyron), reside en su sencillez, su ingenuidad, en la bella interpretación de Catherine Frot y la buena caracterización de Albert Dupontel, aunque en ciertos momentos pueda resultar algo lineal, o algo inverosímil, y sorprendan ciertos elementos fantásticos como los vuelos de la protagonista, que en algunos instantes levita indiferente al ruidoso y a veces frío mundo que le rodea; aunque quizá no se comprendan esas imágenes de un Jesús que aparece en momentos inesperados de la película, como símbolos de los principios cristianos de la humildad, la fe y la esperanza, la entereza para soportar el sufrimiento; esa predisposición tan benévola a olvidar todos los infortunios cuando escuchas una música que te fascina... Algunas escenas musicales se han logrado con simpatía, en medio de esta crítica entretenida.

La fuerza de la fragilidad.

Y es este planteamiento de la felicidad, la ilusión, la bondad y la alegría para afrontar las adversidades de la vida, frente a las envidias, el resentimiento arraigado, las ingratitudes, las rivalidades y el valor sustentado en parámetros externos en una sociedad competitiva... Es la fuerza de la fragilidad, del amor más platónico y más real. El mundo que percibe Odette es muy personal, difiere de esas aureolas artificiales de cotilleos y envidias que persisten en otras subjetividades, de las vanidades más efímeras y vacuas... Odette, lectora fiel, agradece con amor y admiración el esfuerzo creativo y comunicativo del escritor "Balthazar Balsan", el escritor exitoso que descubre ser más vulnerable y menos feliz de lo que aparenta, que cuando le recriminan su fragilidad responde más o menos así: "Cómo podría ser escritor si no fuera frágil"...

Las relaciones humanas devienen muy complicadas cuando prevalece la competitividad agresiva; algunas personas, las más competitivas, quizá no se percatan de la trampa en la que se puede caer cuando la comparación se convierte en guía y motor de la conducta... De ahí lo interesante del mensaje de esta película. La sensibilidad y la empatía, los buenos sentimientos, no son síntomas de debilidad, sino de gran fortaleza moral... Afortunadamente , hay muchas personas que creen en la cooperación, en el respeto, y en aprender a saber perdonar también. Personas que se alegran del éxito y del bienestar de otras personas. Es mejor aprender a valorar también las pequeñas cosas. Quizá la felicidad no está tan lejos como creemos.

...La encantadora Odette mira la vida con otra perspectiva de la que hay que aprender. El optimismo y la belleza de esta película, de sus palabras, sin grandes pretensiones, sin perseguir vanguardismos o recursos estilísticos que se alejen de la realidad y de algo tan sencillo como la vida de una persona. Esta comedia es una crítica irónica, una propuesta ingenua y modesta, pero interesante, quizá carente de metáforas originales, de un lenguaje inusual, de planos o escenas muy cuidadas o increíbles, aunque sí cuenta con un guión y unos diálogos aceptables, imágenes coloridas, aquí lo más original es el personaje de Odette y su alegre naturalidad, el sentimiento que transmite, su forma de aceptar y comprender, su sueño hecho realidad, y una excelente música de Nicola Piovani (ya conocido por su trabajo en "La vida es bella").

Calificación: 7; por la interpretación de los protagonistas, por su optimismo y simpatía, por la música.

Volver a escribir...¿En un blog?

2007-09-23T12:25:00.000+01:00

Esto del blog es una forma de comunicación muy peculiar; sabes o intuyes que tus comentarios probablemente serán leídos por familiares y amigos a los que invitas para que visiten tu blog, pero es más complicado lograr que se divulgue en un ámbito más amplio, menos local, o conseguir que te dejen algún comentario.

Recuerdo haber leído en la prensa que las encuestas reflejan un considerable porcentaje de blogs que incluyen comentarios con menos frecuencia de la que se piensa: incluso más de 20 días, un mes o más que transcurren sin actualizarlo; porque no todos los blogs son verdaderos diarios, y resulta un poco extraño escribir así.

Volver a escribir, aunque sea através de este curioso medio, es mucho más que un hábito, una necesidad o una costumbre... Estaba reflexionando sobre esta osadía de publicar opiniones o ideas, con la expectativa de que puedan leerlas incluso personas desconocidas, y se me asemejó a ese recurso de los náufragos de echar una botella al mar; y fue cuando recordé aquellos geniales y bellos versos de Mario Benedetti en su poema "Botella al mar", ...lanzar una botella al mar en la "espera confiada" de que un día la encuentre "un niño", (alguna persona con alma inocente...):

".../...
y un niño la descubra y la destape
y en lugar de estos versos halle flores
y alertas y corales y baladas
y piedritas de mar y caracoles.".

* De su poema "Botella al mar", publicado en "Preguntas al azar" (1986).
* Mario Benedetti. Inventario Dos. Poesía 1986-1991. Colección Visor de Poesía. Editorial Visor Libros. 2004.

Conocí la magnífica poesía de Mario Benedetti gracias a las canciones de Joan Manuel Serrat, con aquel disco titulado como uno de los capítulos, y poema, "El Sur también existe" -1985-, también publicado por M. Benedetti en "Preguntas al azar" -1986-. Como fan de Joan Manuel Serrat, quedé muy sorprendido con este buenísimo disco.

Ya sé que escribir en un blog, aunque sólo sea con algunas modestas palabras, a veces puede convertirse en algo así como lanzar una botella al mar, pero como diría el gran Mario Benedetti: "Qué tentación echar / una botella al mar".

El valor de la Libertad.

2007-05-20T00:47:00.003+01:00

De pequeño siempre asociaba la palabra libertad con la posibilidad de desplazarse, de moverse dentro de unos límites... al menos eran esas las ideas que transmitían las películas más famosas emitidas en la TV de aquellos tiempos, películas acerca de prisiones, de fugas carcelarias, sobre la esclavitud en Egipto y en Roma, películas de navegantes y mares inmensos, relatos legendarios, películas sobre descubrimientos y aventuras... La palabra libertad fue adquiriendo unas dimensiones cada vez más complejas, poéticas, que rozaban casi la ficción... una ficción muy contrapuesta con los verdaderos hechos de la Historia; porque luego comencé a entender sus diversos matices cuando me explicaron lo que significaba la “Libertad de expresión”.

Recuerdo que cuando contaba con unos quince años, me impresionó y motivó mucho la lectura más reflexiva y atenta del primer artículo de la Constitución Española de 1978. Art. 1.1: "España se constituye en un Estado Social y Democrático de Derecho, que propugna como valores superiores de su ordenamiento jurídico la libertad, la justicia, la igualdad y el pluralismo político.". Los valores superiores son mucho más que principios filosóficos, tienen un valor primordial, y se proyectan sobre el resto del ordenamiento jurídico. Como también muy interesante me pareció la lectura del art. 10.1 de la CE de 1978, donde se afirma que: "La dignidad de la persona, los derechos inviolables que le son inherentes, el libre desarrollo de la personalidad, el respeto a la ley y a los derechos de los demás son fundamento del orden político y de la paz social".

La libertad según el diccionario de la Real Academia Española, consiste en: “Facultad natural que tiene el hombre de obrar de una manera o de otra, y de no obrar, por lo que es responsable de sus actos.” (además de incluir otras acepciones y expresiones). En resumidas cuentas: El derecho de hacer o no hacer algo..., luego nos encontraremos con límites lógicos y comprensibles, pero esta vez los límites los encontraremos en las normas establecidas, en el orden y la ley, incluyendo los derechos de otras personas que convivimos en la misma sociedad, imprescindibles para garantizar la paz y la convivencia.

... Sin remontarnos a tiempos remotos, a la Edad Media, o al Absolutismo, en la etapa anterior a nuestra democracia no era tan extraño que a una persona se le pudiera privar de su libertad tan sólo por expresar ideas contrarias a las de los que ostentaban el poder, o incluso tan sólo por escribir o publicar un poema crítico estimado subversivo, por muy pacíficas que resulten unas simples palabras escudadas en recursos literarios.

La libertad, esa palabra tan relativa por la que tantas personas han luchado, la inspiración de tantos músicos, escritores y pintores... no es una excusa, ni un lema, no es una bandera ni una propiedad exclusiva, es una valor íntimamente ligado a otros valores como los de la Justicia y la Igualdad..., sin pronunciar discursos innecesarios, consiste en algo tan sencillo como EL RESPETO.

Libertad solidaria.

La verdadera libertad es una libertad altruista, solidaria, comprensiva, una libertad responsable. Lo mejor es reivindicar la libertad siempre unida a estos valores y a la paz, en respetar los derechos de otras personas, aunque no piensen como tú; por planteamientos ideológicos, ideas trascendentales, o por cosas nimias o costumbres diferentes a las individuales o grupales.

Por ejemplo: respetar al que no fuma, al que prefiere el aire más puro y menos contaminado, al vecino que tiene derecho a su descanso nocturno..., al amigo que no bebe ni siquiera en las fiestas o celebraciones o que prefiere no salir muy de noche, o a quienes discrepen de sus gustos o preferencias.

Hace muchos años me sorprendió una frase que escuché en una canción de Franco Battiato: "Cuando era más joven, creía que existía la libertad".

LIBRE.

2007-05-19T23:37:00.000+01:00

La primera vez que comencé a comprender lo que significaba la palabra libertad, creo que fue con una canción, sí, recuerdo que era allá por los años 70, una bella canción cantada por un valenciano de mirada limpia y voz sonora, que transmitía mucho sentimiento... La canción se iniciaba con unas notas un poco tristes y luego desarrollaba su estribillo con fuerza, con emoción, su melodía avanzaba in crescendo, casi como un himno (y algunos dirían que una protesta)... Luego me dijeron que aquel valenciano se llamaba: Nino Bravo, y ahora sé que su verdadero nombre era Luis Manuel, y aquella canción: “Libre” (1972), fue compuesta por Luis Armenteros y Pablo Herrero, con arreglos de Juan Carlos Calderón.

Muchos años después me interesé por conocer otras canciones de su repertorio, y ahora, como fan, ya conozco la colección completa de sus discos, gracias a su recopilación: "Todo Nino", que recomiendo. “Libre” es una de sus canciones más conocidas, y por muchas versiones que otros cantantes y grupos se hayan atrevido a grabar, la verdad es que ningún artista ha igualado la calidad y el sentimiento con que supo interpretarla Luis Manuel Ferri Llopis, el inolvidable Nino Bravo, una de las mejores voces de la historia de la música ligera española y europea. Desde aquí les invito a conocer más su música, a escuchar su gran y potente voz, de gran personalidad. Por cierto, me sorprendió saber que aprendió joyería, llegando a alcanzar el grado de pulidor de diamantes, y por la red he leído que era aficionado al cine amateur.

Libros para la Paz y el amor a la Naturaleza.

2007-05-08T18:50:00.003+01:00

Regalar un libro, ya sea con la excusa de un cumpleaños o en cualquier celebración familiar, es mucho más que una tradición, es un acto comprometido y generoso, pues un buen libro se puede convertir en un buen recuerdo e inolvidable referencia cuando lo entregamos a niños o adolescentes… Recuerdo con gratitud la lectura de libros de Richard Bach en mi adolescencia...; y he conocido familiares que han incluido entre su lote de regalos a sus hijos, colecciones de novela infantil y juvenil muy amenas e interesantes, como me lo han confirmado los comentarios de los propios lectores, niños motivados y entusiasmados con esas lecturas… Una amiga me ha recomendado para regalar como novela juvenil: "Cinco panes de cebada" de Lucía Baquedano. Ed. SM. Colección Gran Angular.

En las fiestas he visto a niños hojear libros coloridos, inundados de ilustraciones, cuentos, comics, libros de historia, atlas de astronomía, sobre peces, dinosaurios, series cinematográficas o televisivas... pero nunca he visto que regalen libros de poesía… Es muy probable que la poesía se comience a conocer con el currículo de literatura de primaria, como una especie de juego de palabras o canciones, y el verdadero gozo en el aprendizaje surge cuando es uno mismo el que descubre algún indicio que va más allá de la rima, de las medidas y el ritmo incluso…

¿Y si regaláramos también libros de poesía? En la feria del libro del año pasado, descubrí un librito de poemas de un color verde intenso con una ilustración preciosa en su portada, una bella pintura de un árbol enorme, titulado “Dejad creced la hierba”, de Pino Betancor. Ediciones del Cabildo Insular de Gran Canaria –2002- (Con ilustraciones de su hijo Germán Millares). Pino Betancor, nació en Madrid, 1928 y, según la información encontrada en la red, falleció en 2003; y tras una extensa y fecunda obra poética, nos dejó este bello libro de poemas para niños y adultos también, que como explica la autora de su prólogo “La Poesía es la Infancia”: Alicia Llarena, fue escrito en 1989, “el año en que se firmaba la Convención de las Naciones Unidas sobre los Derechos del Niño”.

Un libro sencillo pero muy profundo a la vez, es como una carta dirigida a los niños, que son promesa real de horizontes venideros, en la que se les advierte sobre los peligros de nuestro futuro si no desterramos la violencia, si no aprendemos a convivir en paz y a saber conservar las inmensas riquezas naturales que aún permanecen, a pesar de tanto maltrato a la naturaleza, pero que pueden perderse si no luchamos por preservarla, exhortando con voz armoniosa, directa y emotiva:

“En este mundo nuestro, / planeta azul y verde, / pudiera de repente apagarse la vida.
.../... La Tierra es nuestro hogar,/ y es para todos.”...

“¡Que no existan fronteras que puedan separaros...!”

Habla de las guerras, de la tierra que agoniza entre la violencia y la frivolidad... del olvido. Un poema hermoso y sabio sobre la paz, la humanidad, el respeto, valores que tanto necesitamos transmitir para que sean reflejo en los niños y niñas de hoy, menores que pronto serán mayores, esperanza de futuro y de presente, valores que infunden comprensión, emotividad y ternura (en una sociedad en la que aún persisten costumbres e ideas machistas rancias de las que aún no nos hemos liberado). Este breve pero intenso y gran poema, es un verdadero “canto de amor a la Tierra”, un canto a la inocencia más prometedora, para que las personas avancen y mejoren en sus valores, y para que crezca la hierba y los bosques reverdezcan con su sabiduría este maltratado planeta. Para que volvamos a ver el bosque, la playa y la ciudad, para que, por encima de las pequeñas o grandes rivalidades, las ambiciones desaforadas, o las vanidades de más inconsciente e inútil precariedad, la violencia ensordecedora o silenciosa... volvamos a vislumbrar un “Planeta azul y verde...”.

DESPUÉS DE LA BODA

2007-04-24T20:57:00.003+01:00

Lo más que sorprende desde el inicio en "Después de la boda" es el argumento, una propuesta original para plantear un drama emotivo e interesante. Se percibe desde el comienzo un aire de inquietud y de búsqueda incesante de la verdad, una atmósfera creativa propuesta por la directora danesa: Susanne Bier, (ya conocida en anteriores films, como en “Hermanos”-2005-, y “Te quiero para siempre”-2003-, “Problemas de Familia” –1993-), que nos ha impresionado con esta historia desbordada por el sentimiento, el dolor, la nostalgia, deliberaciones y críticas interpuestas en diálogos directos, impulsivos, y primeros planos con mucho movimiento de cámara para enfatizar la emotividad en el drama...

La historia comienza en la India, donde Jacob, un danés con el que Mads Mikkelsen logra unos registros interesantes en su interpretación (y no resulta tan frío), es un hombre desencantado que ha encontrado su lugar ayudando a los más desfavorecidos en un orfanato de la India... niños a los que ama y trata como si fuera su verdadero padre; y decide regresar a Dinamarca para conocer la propuesta de un rico negociante con la esperanza de obtener la financiación precisa para costear los proyectos más solidarios con los que tanto sueña. Y si después de esta carta de presentación esperas un film sobre labores sociales y sanitarias desarrolladas por las ONG’s en estos países, sobre las vicisitudes de un equipo humano que lucha por la salud y por mejorar la calidad de vida de estas personas olvidadas por el derroche de los países más opulentos, la película te impactará por su cambio, pues el drama profundiza en un hecho que se conoce tras la boda, y que internará la historia en la vida de esta familia acomodada, donde los primeros planos recrean el dolor, el recuerdo, el paso de la vida, en una curiosa denuncia con diálogos interesantes y contundentes por sí mismos, sin retórica, con toda la fuerza de la realidad más dura. Jacob desconfía del altruismo de los ricos desde que se alejó de su país, espera muy poco de una sociedad materialista, y regresa bastante desencantado de sus paisanos... Jacob le llega a decir a aquel acaudalado inversor... “A ustedes los ricos nunca les han importado estos niños...” .

Y vemos planos contrastados de la paupérrima zona del orfanato y del hotel de lujo, la boda suntuosa, la ostentosa mansión con sus coches... estamos ante una película de contrastes, de paradojas y encrucijadas, de conflictos y dilemas exasperantes, de claros y oscuros... la cámara parece que persigue a los personajes con el fin de retratar su sentimiento para descubrir el secreto que esconden, y suscita un interés que no decae en ningún momento; ...hay instantes insospechados en los que surgen imágenes de animales disecados, como trofeos colgados en las paredes de la mansión, con sus ojos fríos e inmóviles, en una constante reflexión sobre la vida y la muerte, la hipocresía, la frivolidad y la indiferencia... Aunque, en mi opinión, abusa de ciertas técnicas de cámara en movimiento, y el ritmo parece que solicita momentos de frescura o liberación del encierro de los personajes... (quizá se anhelan más imágenes de la India y de Dinamarca, o escenas alegres, y no sólo tiernas), a los que no se le concede respiro con esa pretensión, la de acentuar el drama, exacerbarlo un poco... No obstante, me parece una buena película, recomendable para los que aman el cine, por su guión, la buena interpretación de todos los actores, y esos primeros planos que impactan por su sentimiento y naturalidad, y que sugieren los gestos al detenerse en la mitad del rostro mientras hablan o esperan. Una denuncia original y desgarradora sobre ese muro invisible que separa los países ricos de los países subdesarrollados, del poder del dinero y el poder del amor.

Calificación: 7,5

EL VELO PINTADO

2007-04-06T23:32:00.001+01:00

“Cinéfilo”.

La impresión con la que uno sale de una sala de cine es la crítica más creíble y honesta que se puede hacer a una película; y la verdad es que cuando aquel día finalizó la proyección de “El velo pintado”, escuchando aquella música mientras pasaban los créditos, salí con la sensación de haber disfrutado el privilegio de ver una de las mejores obras cinematográficas de mis visitas a las salas comerciales. Por fin puedo volver a mi casa con la satisfacción de comprender el motivo real por el que me fascina el cine, por el que me pueden incluir en ese apelativo que te brindan cuando hablas o escribes con fervor de ese gran invento, ese calificativo tan renombrado: “Cinéfilo”.

No hay una definición única y exclusiva de “cinéfilo”, como tampoco hay un único estilo, y cada guionista o director procura dejar su impronta personal; pero aunque todos los aficionados al cine no coincidimos en nuestras apreciaciones, y cada uno tiene sus preferencias respetables; al menos desde mi punto de vista, mi concepto del buen cine se aleja de todo lo que represente lo artificioso, lo antiestético y lo morboso, y mucho más cerca de lo que sencillamente transmite buenas sensaciones, ideas positivas, y también de lo sanamente romántico... En mi opinión, una película no se consagra como obra de arte por sus galardones, su éxito en taquilla, ni por todo lo contrario, por muy vanguardista y contestataria que pueda ser.. Afortunadamente no hay nada escrito sobre gustos, pero sí sobre esa magia especial que refleja una buena obra de arte hecha a conciencia, sobre un conjunto que brilla en armonía por su dirección, guión, ritmo, interpretación y banda sonora, como lo hace sin duda esta magnífica película: “El velo pintado”, dirigida por John Curran, que transmite sentimiento y romanticismo sin caer en lo sensiblero ni en lo panfletario; y más que clásica, resulta muy atractiva, sencilla y honesta. Les aseguro que con este film, John Curran (Que cuenta aún con una breve, pero esmerada, filmografía, con su debut en 1998, su largometraje de debut "Praise" concursó en el Toronto International Film Festival, y ganó el Premio de la Crítica Internacional a la mejor película. "Ya no somos dos" -2005-, ha dirigido anuncios, cortometrajes y videos musicales...) dejará de ser un desconocido para el público y la crítica.

El velo pintado. Genial adaptación.

Basada en una novela de W. Somerset Maugham, de la que ya se ofrecieran al público versiones como la de Greta Garbo de 1934, nos encontramos ante una esmerada adaptación al cine de otra de las curiosas obras románticas de este autor, logradas por un guión que luce unos diálogos y una estructura muy acertada; pues el ritmo, el tempo, el diseño de cada una de las escenas están muy bien cohesionados con las emociones del relato, al que la bella melodía romántica compuesta por Alexandre Desplat, y las canciones interpretadas al piano, describen con premonición, como si cada nota reviviera el sentimiento que viven los personajes en esta pausada pero intensa historia de la época colonial en la China de los años veinte, desarrollada en las ciudades de Shangai, Pekin, y la provincia de Guangxi (para recrear ese pueblo remoto cercano a ríos y montañas, azotado por la epidemia mortífera del cólera...).

Y si a toda esa belleza plena de detalles e intimismo, le añadimos una fotografía increíble, unos planos magníficos, una inmejorable y destacada interpretación de Naomi Watts, un genial Edward Norton (que supera con creces su trabajo en “El Ilusionista”), acompañados por grandes actores secundarios..., un bello y profundo argumento que trata no sólo sobre los amores no correspondidos, la infidelidad que trasciende lo meramente carnal, o ese extraño dilema entre sexo y amor verdadero, el placer y el sentimiento, sino que va mas allá y se adentra en otros temas como el de la empatía y la vocación asistencial por ayudar a otras personas, la situación histórica de países que padecieron invasiones y colonizaciones, intentando superar la miseria de las enfermedades como el cólera... la lucha por la salud y la paz; esta película alcanza la solidez de una gran obra imprescindible para el cine por su calidad técnica, y por su humano y bello mensaje pacifista.

Destacaría muchos momentos y secuencias, pero sobre todo aquellos como el de los diálogos en el interior de su residencia en aquel pueblo remoto de China, cuando el marido indagaba con un rudimentario microscopio de la época hasta quedar exhausto, mientras ella reflexionaba y luchaba por adaptarse, las pequeñas discusiones, esa desorientación que le lleva a buscar una esperanza o una ilusión, el sentido de la vida en un recóndito lugar más allá de las fronteras materiales y culturales, ese universalismo tan evocador como el “piano piano” de sus melodías románticas... El descubrimiento del verdadero amor. Una película como esta te hace recordar y reafirmar el verdadero motivo por el que te interesa el cine.

Calificación: 9/10.

¿Una Central Nuclear en Marruecos? ¿Otra vez?

2007-03-31T22:20:00.000+01:00

La noticia* se divulgó muy pronto: Marruecos proyecta la construcción de una central nuclear a unos 400 Km de Canarias, que se ubicará, según información facilitada en la red, en Sidi Boulbra, al Noroeste de Marruecos. Retorna la inseguridad, el miedo a vivir cerca de unas instalaciones tan peligrosas en un país que ni siquiera está preparado para afrontar el coste de la construcción y del mantenimiento de una central como esta que proyectan, como tampoco lo está para garantizar su seguridad y su control. Todos los inconvenientes de la instalación de una central nuclear ya se comentaron en su momento por muchos expertos cuando el proyecto se centraba en una instalación con tecnología francesa para una desaladora en la costa oeste de Marruecos: Tan Tan, pero es que ahora, si cabe más riesgo aún, se trata de una central rusa con treinta años de antigüedad, obsoleta, desfasada y de más potencia que la anterior.

Una vez más retorna el desasosiego por la incomprensible búsqueda de una fuente de producción eléctrica en la energía nuclear... ¿Es que la experiencia no habla por sí misma? ¿Por qué recurrir a una industria en desuso que incrementaría el riesgo para su propio pueblo y para los que lo circundan? ¿Saben la terrible amenaza que puede suponer una nube radiactiva en caso de accidente, y lo difícil, costoso y complicado que sería garantizar el cumplimiento de todas las normas internacionales de seguridad para estas centrales en un país sin experiencia en estas tecnologías peligrosas que dejan residuos radiactivos? ¿Dónde ubicarían un cementerio nuclear para los temidos residuos?

¿Por qué no proyectan otro tipo de instalaciones más limpias y renovables como la eólica y la fotovoltaica en lugares tan idóneos como las tierras de Marruecos? Lo mejor es mirar y actuar hacia el futuro, y no anclarse en tecnologías desfasadas y peligrosas. Europa y el Gobierno español deben disuadir a Marruecos para evitar la materialización de este desafortunado proyecto, fomentando el uso de las energías limpias. Nunca es conveniente tener cerca un Nuclear, sabemos que no existen fronteras para el viento, y para los intereses turísticos tampoco es lo que se dice una alentadora noticia. Los ciudadanos canarios, y me imagino que también los de Ceuta, Melilla y Andalucía (además de los propios marroquíes), estamos preocupados por esta noticia, que requiere una actuación urgente.

*Diario “Canarias7”, miércoles 21 de marzo.

www.canariasahora.es

EUROPA DEFIENDE EL CLIMA Y LAS ENERGÍAS RENOVABLES.

2007-03-17T12:23:00.001Z

El pasado 9 de marzo se ha tomado una de las más importantes decisiones por parte de los líderes de la UE. Los Jefes de Estado y de Gobierno de la UE, reunidos en Bruselas, han apoyado una ambiciosa reducción colectiva de las emisiones de gases de efecto invernadero en los 27 países miembros de la Unión Europea de un 30% para 2020, (aunque sólo un 20 % obligatorio), además de lograr un 20 % de energías renovables en el panorama energético europeo.

A pesar de las propuestas de Francia, por la que Chirac insistió en seguir apostando por la Energía Nuclear como una supuesta “alternativa” para reducir el efecto invernadero; esta Cumbre ha logrado reunir a los gobernantes para firmar un compromiso demandado por esta situación, y por los ciudadanos que son testigos de estos cambios de la meteorología, que ya están afectando a nuestra forma de vida, optando por incrementar el uso de las energías renovables, además de la reducción de emisiones de CO2 que causan el cambio climático.

Hay que felicitar a todos los líderes que han defendido la opción de las energías renovables, las energías limpias, como lo ha hecho nuestro Presidente José Luis Rodríguez Zapatero.

Un 20% de energías renovables, quizá no sea suficiente, no es una meta, es un paso, un tránsito hacia la verdadera aspiración, el uso de energías limpias... quizá el plazo es algo dilatado para lo que requieren las circunstancias, pero podemos celebrar por lo menos el compromiso y la voluntad de afrontar este problema.

Otros objetivos de esta Cumbre con las Energías Renovables:

*. Aumentar hasta un 20 % la eficiencia energética. (lo que sería interesante añadir, como comenta Greenpeace, es concretar estas medidas para el sector eléctrico y el de calefacción / refrigeración).

*. Garantizar el uso en el transporte de un 10 % de uso de biocombustibles. Sabemos que el transporte de mercancías y el de pasajeros ocupa gran parte del tráfico diario de las ciudades. El uso de biocombustibles obtenidos de forma ecológica y con garantías de eficacia y seguridad, reduciría una considerable cuota de emisiones de CO2.

Ya se ha demostrado sobradamente que la energía nuclear es todo un cúmulo de problemas y riesgos, además de ser una opción bastante costosa tanto para su instalación y mantenimiento, como para su desmantelación; porque lo que se dice “gestión de residuos”, no es que sea sólo un prescindible dispendio, es que ya sabemos que es muy problemática. A nadie se le escapa la realidad del altísimo peligro para la salud que suponen estos residuos que perviven durante decenas de miles de años.

Problemas de la energía nuclear:

1º.- Altísimo riesgo de sus instalaciones. No es necesario recordar el altísimo peligro de una instalación de este tipo, su costoso y delicado mantenimiento. El peligro de un accidente como el de Chernóbil y otros, no se diluye tan fácilmente en la memoria de la gente. ¿Por qué tantos países europeos abandonaron la energía nuclear? ¿En cuántas centrales surgieron las tan temidas grietas, y los escapes de radiactividad...?

2º.- Riesgos en el transporte de la materia prima, y en su almacenamiento.

3º.- Riesgos con sus residuos altamente contaminantes. Actualmente no hay ninguna forma de gestión de residuos radiactivos que sea satisfactoria, (como afirma Greenpeace) incluida la llamada “Trasmutación”, desde el punto de vista técnico, y nadie quiere un cementerio nuclear, esos cementerios tienen que desaparecer, y sólo recordarse como un error.

¿Por qué retornar otra vez a utilizar energías tan peligrosas y tan poco limpias para afrontar el cambio climático? Dicen que el hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra... pero el uso de la energía nuclear es mucho más que un tropiezo, sería un error gravísimo que puede traer muy dañosas consecuencias, irreversibles incluso.

***********

Tras esta decisión de los líderes europeos a favor de las energías renovables y el ahorro energético, podemos mirar al futuro con más esperanza. Es posible combatir el cambio climático con las energías renovables y la eficiencia energética, y sobre todo con la voluntad y la firme decisión de apoyar estas alternativas limpias, olvidando otras opciones negativas más problemáticas e inseguras.

Enhorabuena a los representantes europeos por este compromiso tan saludable.

www.greenpeace.es

Alcohol y Menores.

2007-02-24T20:34:00.001Z

Anteproyecto de Ley para prevenir el consumo de alcohol por menores.

(Menores que pronto serán mayores...)

Conforme a la información facilitada en la red por EuropaPress y otras webs de noticias* acerca del Anteproyecto de Ley para prevenir el consumo de alcohol entre los menores de edad . Aunque ya se ha presentado un borrador del Anteproyecto de la futura Ley antialcohol bastante menos riguroso, sobre todo en cuanto a la publicidad en medios de comunicación y restricción de su venta, del que se ha propuesto en primer momento ( Editorial de http://www.elpais.com/ "Vino, alcohol, menores", 24/02/2007). Esta era la primera propuesta, que puede resumirse en los siguientes apartados: Venta de alcohol, publicidad y patrocinio.

Venta del alcohol.

· Se prohibirá la venta de alcohol a menores de dieciocho años, así como el consumo por parte de estos en las vías y zonas públicas. Los establecimientos que quieran vender alcohol y en los que no esté permitido su consumo deberán contar con una licencia específica y, además, no podrán hacerlo de 10 de la noche a 8 de la mañana. Y se prohíbe su venta también a mayores de edad en centros de protección y de atención a menores; instalaciones deportivas, recreativas o de esparcimiento durante el horario en el que se permita la entrada a menores; centros de enseñanza infantil, primaria, secundaria, de bachillerato, de FP y educación especial; y en cualquier otro lugar donde se realicen actividades dirigidas a menores.

Publicidad y Patrocinio.

· En virtud de la Ley G. de Publicidad de 1998, ya estaba prohibida la emisión en televisión de publicidad de bebidas alcohólicas con una graduación superior a 20º. Con la nueva normativa no podrán emitirse anuncios de cualquier tipo de bebida alcohólica entre las 6 de la mañana y las 22 horas, tanto en televisión como en radio.
Quedará prohibida, asimismo, la inserción de publicidad en medios de transporte de uso público y estaciones, puertos y aeropuertos; centros sanitarios, sociosanitarios y de servicios sociales; salas de teatro, cine y otros espectáculos públicos durante las proyecciones o representaciones a las que pueden acceder menores; salas de fiesta y discotecas durante el periodo de tiempo en el que está permitida su entrada, así como la instalación de carteles u otro tipo de soportes a una distancia inferior a quinientos metros lineales de centros educativos o de atención a menores.
Se establecen también otras prohibiciones basadas en principios generales que inciden en la argumentación usada en la publicidad: Símbolos o mensajes que inciten al consumo. No se podrá emplear en estos anuncios a menores o a deportistas o personajes de relevancia pública vinculados con ellos. Tampoco se podrá asociar el consumo de alcohol con mejoras de rendimiento o consecución del éxito en el terreno social, profesional o sexual, con propiedades terapéuticas, sedantes o estimulantes, o con la práctica del deporte, la conducción de vehículos o la asistencia a espectáculos deportivos. Ni referirse al alcohol como un integrante positivo en las bebidas.

Estamos ante la primera normativa que afronta este problema en el ámbito estatal, armonizando toda la normativa vigente. Además de las novedades en cuanto a prohibiciones y restricciones que contiene la Ley, se incluyen sus respectivas infracciones y sanciones.
Después de la publicación del borrador del Anteproyecto han surgido voces críticas y presiones desde los sectores que se consideran afectados por la Ley: Productores de bebidas alcohólicas, especialmente las del sector vinícola, sector agrario.

El vino.

Es indudable que el vino forma parte de la cultura de un país, de sus tradiciones más ancestrales tanto en el ámbito rural, donde surgió, como en el urbano, pero si una Ley preventiva del consumo de alcohol pretende ser efectiva y coherente, no puede excluir una bebida con un contenido de alcohol superior incluso al de una cerveza (desde 11º hasta 13,5º ó 14). Aunque consideremos que el vino es una bebida artesanal (que estimo valiosa y digna de protección), cuyos consumidores mayoritarios más avezados suelen ser moderados bebedores, llegando algunos a convertirse en verdaderos expertos y hasta catadores, no es menos cierto que también existen muchos consumidores menos cuidadosos (he escuchado en un programa de radio que el consumo de vino ha disminuido después de la entrada en vigor del Carné por Puntos), y que la permisividad con un tipo de bebida alcohólica puede no comprenderse y ser contraproducente para las campañas contra el consumo de alcohol, en las que se pretende evitar esa dañina asociación entre diversión y alcohol... El consumo prolongado y excesivo de alcohol, aunque sea sólo durante los fines de semana, produce graves efectos en la salud, enfermedades crónicas del hígado, páncreas, ansiedad, depresión, adicción... Esta Ley es más que necesaria, imprescindible para nuestra sociedad.

¿Creen realmente que incluir al vino en estas prohibiciones de publicidad y venta en determinados lugares... causaría tantos perjuicios al sector?. En mi opinión, el buen consumidor de vino no se deja influir tanto por la publicidad, se informa, conoce marcas, denominaciones de origen... sabe donde comprarlo mejor, y sabe consumirlo moderadamente. Sin embargo, hay muchos consumidores de vino que no son tan moderados (en cierta ocasión, recuerdo haber visto a dos adultos que se bebían unas cinco botellas de vino. Y en un reportaje de TV, vimos a menores consumir vino de tetrabrick, y vino mezclado con refrescos). Este Anteproyecto no era tan lesivo para el sector; y si ponemos en una balanza la salud de los menores y la supuesta pérdida de beneficios de un sector productivo (que no es tan previsible ni sería tan dramática), tendría que prevalecer la salud ante todo. Hubiera sido muy interesante ver cómo todos los partidos políticos apoyaban este positivo y buen Anteproyecto, .

Apoyo a este Anteproyecto de Ley.

Al igual que la SESPAS (Sociedad Española de Salud Pública y Administración Sanitaria) somos muchos los ciudadanos que apoyamos este Proyecto de la Ministra Dña. Elena Salgado, que está realizando una encomiable e inolvidable labor tanto en la prevención del tabaquismo como del consumo de alcohol y otras drogas. Una de las beneficiosas medidas previstas en este Anteproyecto es la previsión de acciones formativas en los contenidos curriculares de Primaria y Secundaria, para promocionar los hábitos saludables.

Algo le ha estado sucediendo a la sociedad española, si observamos el progresivo y continuo consumo de alcohol entre los menores y no tan menores. No hay más que ver las calles tras el fin de semana o alguna fiesta, y los efectos tan insanos del botellón... Por no hablar de los efectos que causan en el rendimiento académico.

La verdad es que no comprendo las críticas hacia esta Ley tan sana y bienvenida, se trata de una iniciativa meditada y necesaria en una sociedad como esta en la que cuando unos jóvenes se reúnen, se citan para salir o para una celebración, el invitado más imprescindible suele ser “El alcohol”; cuando, por desgracia, lo normal y aceptable para divertirse y relacionarse, con más frecuencia de la que se piensa, es el consumo de bebidas alcohólicas, y al abstemio se le califica de anticuado, raro, formalito...

Un consejo amistoso.

El alcohol no es buen consejero, ni desinhibe tras la resaca, más bien te apresa, te anula, te disgrega, te destierra, te somete a modas banales ahora, que necesitamos ser más conscientes, ahora, que nadie silencia nuestro entendimiento para divertirnos de forma más sana, para denunciar lo que verdaderamente nos contamina y reclamar nuestros derechos.

Aquellos que han vivido en primera persona el drama del alcohol, saben perfectamente la trampa en la que se puede caer desde muy joven. El alcohol aparenta ser un supuesto “amigo” que te ayuda en las relaciones sociales, que te libera del miedo a la conciencia de tantas mentiras y verdades mezcladas en medio de la confusión y la inseguridad...

Piénsalo dos veces antes de iniciarte en las modas del alcohol, ese “calor en el cerebro y la garganta” es engañoso, porque al final lo que te queda es el frío, ese frío que deshidrata y desertiza más la vida si te sometes a él.

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Sigo sin comprender el motivo de algunas voces contrarias a esta normativa, e incluso a la Ley antitabaco, que comparada con otros países de la U.E incluso se queda corta (lo ideal es que no se permitiera fumar en ningún establecimiento público, y que todas estas zonas sean libres de humos); son normas bastantes saludables y muy necesarias. La Ley del alcohol es ante todo preventiva, su objetivo primordial es evitar el consumo de alcohol por menores. Si lo pensamos bien, ante todo debe prevalecer la salud. Estas Leyes son Leyes realizadas para y por la salud, que es un valor que debe prevalecer. Cuando emitimos nuestra opinión, sería conveniente partir de esta base, de la defensa de la salud ante todo, independientemente de nuestra ideología política, un valor tan importante como el de la vida, está por encima de cualquier diferencia política, es una Ley para todos.

Y personalmente agradezco estas iniciativas: (Ley 28/2005, de 26 de diciembre, de medidas sanitarias frente al tabaquismo y reguladora de la venta, el suministro, el consumo y la publicidad de los productos del tabaco (BOE del 27), el consumo y la publicidad de los productos del tabaco ; y el Anteproyecto retirado temporalmente), que anhelaba desde hace tiempo; así como lamento que todos los partidos políticos no les hayan mostrado su apoyo, su consenso para defender un valor tan importante como este: La Salud y la vida.

*Fuentes:

http://www.acceso.com/ (Servicio Integrales de Comunicación).

http://www.europapress.es/

EL Acoso Escolar.

2007-02-10T12:34:00.000Z

El acoso escolar no es un problema social de nuevo cuño, un fenómeno surgido tras un incremento de población o una transformación de la micro-sociedad que se vive en los Colegios e Institutos; estamos ante un problema real ya muy antiguo: el maltrato psicológico y físico que siempre han padecido muchos niños y jóvenes por sus compañeros en los Centros Educativos y sus aledaños; y que ahora parece conocerse con más detalle, revelarse con toda su crudeza.
Ahora, tras la eclosión de noticias relacionadas con los efectos tan devastadores del acoso escolar, procesos destructivos que, en algunos casos, han llegado a culminar en agresiones con resultados trágicos muy dañinos... hasta que ya resulta inevitable la tragedia, o hasta que la víctima no aguanta más y se niega a seguir asistiendo a clase... Ahora que contamos con mayor información y las noticias pueden difundirse causando la repercusión esperada, podemos detener esa espiral de violencia que germina en un lugar tan insospechado como un aula o un patio de colegio...

Definición del Acoso. ¿Cuál es el origen de esta violencia?

Y qué es el Acoso, esa persecución: el hostigamiento al que son sometidos algunos chicos o chicas a lo largo del curso, viviendo un auténtico calvario, un verdadero pavor a cruzar el umbral del Instituto o el Colegio ante la impotencia de sus padres y profesores que sólo atisban como solución: “cambiar de centro”, por la impotencia para solucionar un problema de tal calibre, o el pánico a que se perpetúen situaciones como estas. En un reportaje televisivo sobre el acoso escolar, escuché a un profesor decir algo así como: “No todo es bullyng, los motes, insultos y provocaciones son bastante normales a esa edad entre los chicos y chicas...” (comentario que parece restarle trascendencia a estas acciones tan lastimosas para quien las sufre)...

Si fuera posible trazar un paralelismo entre el acoso escolar y el acoso moral (maltrato sufrido en el ámbito laboral o de prestación de servicios), en este último se ha venido requiriendo la prueba de un maltrato prolongado en el que se presenten agresiones al menos una vez por semana durante unos seis meses (aunque no se trata de una fórmula matemática)... ¿Podemos esperar tanto? ¿No es mejor atajar el problema antes de que se arraigue y se patentice con toda su severidad? Ahí puede estar la clave del problema, puede residir en conocer cuándo los insultos, ninguneos, golpes reiterados, dejan de ser una anécdota “habitual” y se transforman en la génesis del acoso... en que la víctima cuente con información y apoyo suficiente para afrontar estas situaciones, comunicarlas a sus padres, profesores y a las autoridades competentes y aplicar un protocolo específico para frenarlas y evitarlas.

Los especialistas apuntan como causa relevante el entorno, la familia, la historia personal del acosador que crece en un ambiente de desarraigo y violencia, el fracaso escolar y su escasa conexión con el sistema educativo... También se han apuntado posibles factores de influencia externa, que confluyen con los más internos, donde se preconizan valores machistas y violentos: hábitos insanos con escaso control y supervisión, donde el ocio se centra en videojuegos agresivos, cine que exalta la violencia de sus héroes prefabricados y otras extrañas aficiones, como grabar las agresiones en el móvil... (Por eso en países como Alemania se están estudiando medidas de control bastante serias con los videojuegos).

El perfil del acosador* no es único ni exacto, pero se coincide en afirmar que estamos ante personalidades agresivas, de poca o nula empatía, que suelen atacar en grupo escogiendo como víctimas a compañeros/as en los/as que perciben diferencias físicas, psicológicas o académicas, que puedan servirles para expiar sus frustraciones y reafirmar su supuesto liderazgo por medio de la crueldad. Sin olvidar que también existe un perfil de víctima*; pero aunque no todas las víctimas reaccionan de la misma forma, cada caso planteado es diferente, varían sus condiciones y circunstancias.

* www.acosomoral.org

¿Qué medidas son más apropiadas para afrontar un caso de bullyng o acoso escolar?

Como se ha comentado en la web referida, es muy triste que la persona que tenga que abandonar el centro sea precisamente la víctima; aunque muchas veces es la propia víctima la que reclama un cambio de centro e incluso de residencia por la ansiedad que le produce transitar por lugares que le traen malos recuerdos, donde padeció las agresiones y amenazas... Eso sí, desde que se conozca la existencia del acoso, debemos impedir que se prolonguen las agresiones... Muchos padres se han visto ante la necesidad inaplazable de cambiar de centro.Las medidas que se han estudiado por los expertos coinciden en la prevención ante todo, mediante campañas de sensibilización en las aulas, aplicando programas informativos en los centros, un teléfono de consulta, y disponer de protocolos con medidas específicas para resolución de conflictos y evitar sus posibles consecuencias. Afortunadamente podemos mirar con optimismo el horizonte, pues las Administraciones Públicas están tomando medidas como estas para evitar el acoso escolar y según algunos estudios publicados, comienzan a reducirse sus cifras estadísticas... Y esperamos que se continúe investigando para mejorar la calidad de vida de muchos estudiantes y sus familias.

El Cambio Climático.

2007-02-01T21:13:00.001Z

En “El País” del martes, 30 de enero de 2007, se ha publicado un interesante artículo titulado: “El nuevo informe de la ONU prueba que el cambio climático está en marcha”, es decir, que la Comunidad Científica coincide en afirmar, sin duda alguna, la existencia del cambio climático. Ya nadie niega este hecho, ni siquiera en EE.UU., en lo único que discrepan es en el tipo de medidas más adecuadas para afrontarlo.

Sobre el cambio climático se ha escrito y hablado mucho, hasta la saciedad, aunque apenas ocupaba los temas de conversación, las páginas centrales de los periódicos, los reportajes de televisión o las tertulias de la radio, como ahora ; por aquellos remotos tiempos en que los ecologistas anunciaron cambios progresivos en el clima de la Tierra, el deshielo de los glaciares... como consecuencia de la acción humana.

La revolución industrial partió de una concepción bastante inconsciente del uso de la energía. El objetivo primordial de aquella etapa de la historia, en la que se proyectaron múltiples inventos y avances tecnológicos, se centraba en un ciego incremento de la producción, la mejora de las comunicaciones y el ahorro de costes económicos, bajo una perspectiva muy parcial, distorsionada y poco integradora; olvidándose de los efectos residuales de la combustión de las energías fósiles como el carbón y el petróleo... La verdadera "Tercera Revolución Industrial" no es la de los hidrocarburos (a pesar de las amplias clasificaciones numéricas), sino la de las Energías Renovables y la eficiencia energética. Consiste en lo que se denomina: Producción Limpia.

Esta revolución se ha iniciado, pero son los poderes públicos los que han de relanzarla, fomentando la investigación científica y el uso de estos métodos de ahorro. Se trata de una cuestión de voluntad política. Se ha demostrado que el modo de vida que proponen los ecologistas es más que posible, es una realidad que no resta calidad de vida, lo contrario, la incrementa, mejorando el rendimiento y la salud. Todavía hay quienes piensan que "calidad de vida" equivale a más producción ciega, más rapidez, más consumo, más derroche... ¿Ese es el "way of life" que proponen sin otras alternativas? ¿Acaso no les basta con lo que está ocurriendo?

Los ecologistas han tenido que soportar epítetos al uso que se pusieron de moda: alarmistas, agoreros...; muchas veces eran objetos de críticas desconsideradas e incluso de burlas, hasta que la realidad les ha dado la razón. ¿Cómo es posible que jóvenes de "Los Setenta", con aquellos atuendos similares a los hippies, vaticinaran con tanta exactitud y antelación la transformación que padecería la Tierra tras el continuo bombardeo de emisiones de CO2.: incremento de las temperaturas y del nivel del mar, tormentas tropicales...? Pues por un motivo muy sencillo: eran personas conscientes, que aprendieron a amar la Tierra, a comprender su interacción con los seres vivos que la habitan; personas muy bien formadas y preparadas para fundamentar aquellas tesis científicas, ignoradas o no escuchadas en aquella década de los Setenta, y aceptadas con rotundidad y convicción por la Comunidad Científica de nuestros días; como lo “establece sólidamente” el Informe de Evaluación del Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático (IPCC, organismo científico de la ONU).
En el artículo citado se indican cifras como estas:

“En % sobre el total mundial (1950-2000) se han emitido unas 963,3 millones de toneladas de CO2 .”

Como indica Greenpeace España: "El Calentamiento Global no puede verse únicamente como un tema político, sino como todo un reto moral al que se enfrenta la humanidad". Hay alternativas energéticas viables, es posible otra forma de vida más equilibrada con la Naturaleza. Pero como nos dice la película protagonizada por Al Gore, el Cambio Climático es "Una verdad incómoda".

POETAS

2007-01-28T13:32:00.003Z

Como decía Louis Pauwels: “No habré sido admirable, pero habré admirado”. La fascinación que puede despertarnos una obra de arte, una biografía ejemplar, mucho más que la gesta de un héroe, en el fondo no es más que una proyección de nuestro anhelo de belleza, de justicia, de amor y de paz, y no tanto de prestigio... Como cuando Wolfgang A. Mozart en su niñez reclamaba las atenciones de sus conocidos, y su obra casi se convirtió en una búsqueda incesante de amor y de cariño. La poesía, más que una afición, surgió como una tabla de salvación frente a los interrogantes vitales que se acrecientan en la infancia y la adolescencia, cuando comienzas a despertar, a percatarte de tu evolución personal y de todo lo que acontece a tu alrededor, y cuando dejas de creer que vas perdiendo la ingenuidad...
Poco a poco fui descubriéndola, entre los resquicios que quedaban en los raídos libros de texto y las lecturas obligatorias del programa de literatura... La poesía se convirtió en algo más que aquella definición de un profesor –“un juego de palabras”-, un sudoku extraño, para transformarse casi en una religión, una devoción por descubrir la magia escondida tras los versos, los arcanos indescifrables en la música y el color de las palabras, e incluso en un instrumento que podría contribuir a mejorar nuestro mundo (porque lo de cambiarlo es una tarea mucho más ardua que utópica... a lo que Erich Fromm nos hubiera respondido que “Sólo podrá crearse una nueva sociedad si ocurre un cambio profundo en el corazón humano”).
Más que citar una selección de mis poetas preferidos o una prolija antología de poesía..., tan sólo pretendo referir algunos poetas, no tan conocidos, que me han cautivado con la belleza inusitada de sus versos, por su personalidad y su sentimiento, y su peculiar lenguaje para expresarlo.

Verónica García.

Nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1967, es Licenciada en Ciencias de la Información, ha trabajado como ayudante de montaje y guionista... Premio de poesía Tomás Morales (1986) por “La mujer del cubo verde” Ed. Cabildo I. de Gran Canaria. Sus poemas me impresionaron por su forma tan original de expresar su perspectiva de la vida y de la sociedad. Ya la lectura de su primer libro me suscitó gran interés y he continuado conociendo su poesía, porque siempre te sorprende, como con “Sinestesia” (Colección “Nuevas escrituras”-1992-), “Posibles enunciados””, Ed. La Palma, Madrid, 1996 (con poemas increíbles como el de “Sanborondón”) –finalista del Premio Nacional de la Crítica-; ...y otros libros como “El Universo de los Náufragos” (2000)..., “La Isla del Caimán” (2003), “Lapso” (Ed. Baile del Sol. 2006), "Atonal" (Ediciones Idea. Colección El Mirador. 2008).

Algunos versos de “La mujer del cubo verde”: Nº 4, del capítulo: “La ciudad”:

“ En la parte alta del cine,
el restaurante blanco.
América coqueta nos invade,
ojos incautos sigo:
James Dean, Robert Redford, Katherin;
.../...
...“

Final del poema “Tempestad silenciosa” de su libro: “Posibles Enunciados”, sobre el conocido parque de Madrid: “El Retiro”:

“Convertida en crepúsculo la rosa,
un huracán de luces barre el mundo”.

“Kreuzberg” (Bauhaus. Alemania 2001), de su libro “Lapso” (2006).

“...
Voy en el tren del país
al que otros pertenecen
y al que amo extranjera:
confundible con el olvido,
no perceptible
tras la cortina de humo.
...”

La verdad es que Verónica es una gran poeta y narradora, les recomiendo que se atrevan a conocer la belleza y el mundo tan sugerente que se descubre en sus poemas.

Juan Manuel González.

Poeta, novelista y crítico madrileño, profesor de literatura de la Universidad de Segovia... Con infinidad de premios y accésit, logrados por su poesía romántica y gótica, como en “La llama del brezo”, Ed. Algaida, 2002; I Premio de Poesía Ateneo de Sevilla; donde nos traslada a las bellas y enigmáticas tierras de Irlanda:

“...
¿Ese inmenso gris de tu cielo es verdadero
o es el efecto de una distancia, entre paz y vida, aún infinita?
...”
(“De nuevo, Irlanda”)

Arturo Maccanti.

Nacido en Las Palmas de G. C., 1934, hijo de padre italiano y madre de ascendencia portuguesa. Estudió Derecho en la U. de La Laguna. Ha publicado numerosos poemas en revistas literarias, y ha participado en muchos recitales. En 2003 recibe el Premio Canarias de Literatura, año en el que ingresa en la Academia Canaria de la Lengua y publica “Óxidos”, y “El volcán y la isla”. En 2005 publica su genial “Vivir sobre la vida" (Poesía Reunida) Ed. KA, recopilación de toda su obra. Su poesía es una elegante reflexión sobre la vida y la muerte, el dolor, el amor, el mar, Las Canteras, y su amada ciudad de La Laguna (Guerea)...

De entre sus poemas inéditos y rescatados, leí un increíble “Partido de domingo”, y el curioso “Aviso” sobre unas esculturas de J. Abad, 1971, del que transcribo algunos versos que evidencian su inquietud por la libertad, a pesar del discreto alejamiento de la poesía social que tanto se comentó.

“...
bienvenidos los puros,
los no contaminados de ponzoña, los claros;
venga el hombre y se instale,
se embarque en la aventura contemplada,
ame la obra libre de otro hombre y comprenda
cuántos caminos quedan, cuántos días
vírgenes del futuro se ofrecen
y cuánta libertad sin límites alienta
el pensamiento todavía.”

Les recomiendo especialmente la edición de sus obras completas, Arturo Maccanti es, sin duda, uno de los grandes poetas Canarios y Universales. Poemas como “De cárceles oscuras” y “De sus cielos nativos” de su obra: “En el tiempo que falta de aquí al día” (1967), “Humo” de “Cantar en el ansia” (1977-1980), y la elegía en “El Mar” (2007), y tantos otros que reflejan la palabra y el sentir de un poeta observador, intimista y genial.

Ángel González.

Es miembro de la Real Academia Española desde 1996. Obtuvo, entre otros, el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1985... Es un poeta veterano que me impactó con su libro sobre la música: “La música y yo”, Ed. Visor Libros, 2002. En su prólogo nos dice que “advirtió la presencia de la música” por una radio antigua... Y aunque su relación con la música en principio fue de frustración... se reconcilió con la música a través de sus versos, sus increíbles e imaginativos versos... Como en el poema que dedicó a Louis Armstrong, y que comienza así:

“-¡Qué hermoso era el sonido de la trompeta
cuando el músico contuvo el aliento
y el aire de todo el Universo
entró por aquel tubo ya libre
de obstáculos!
...
“
(La Trompeta –Louis Armstrong)

Eric A. Karlfeldt.

(Más que un Nobel de literatura guardado en una colección de la biblioteca de tu casa...)
De nacionalidad sueca (1864-1931), hijo de una familia de mineros. Estudió en la Universidad de Uppsala. En 1904 fue nombrado miembro de la Academia Sueca, en 1905 fue elegido miembro del Instituto Nóbel de la Academia, y en 1907 del Comité Nóbel.

.../...
“Otros busquen fruto dorado,
yo prefiero retardarme, rehusar,
esperaré en mi jardín,
mientras florecen las yemas.”

(No hay nada como la espera). Flora y Pomona (1906) y otros poemas (Cancionero de Cecilia Böljja).

Domingo Rivero.

Nacido en Arucas, 1852, muere en Las Palmas G. C. en 1929. Se conservan algunos datos de su biografía gracias a la publicación de Jorge Rodríguez Padrón “Domingo Rivero, poeta del cuerpo. Vida. Obra. Antología”, su obra ha sido homenajeada en la edición de la Biblioteca Básica de Canarias, por una obra que a pesar de su brevedad y dispersión, ejerció una gran influencia por su fuerza emotiva y su sencillez. Son de gran intensidad poética sus sonetos, como el de “La silla”, “Yo, a mi cuerpo”, “Piedra canaria”, “Unamuno”..., y los poemas dedicados a Tomás Morales y a otros poetas.

Final de uno de sus madrigales, el tercero, que se titula “Como tú”:

“.../...
cuál tú, con divino anhelo,
en los crepúsculos rojos,
alzas tus ojos al cielo
y el cielo baja a tus ojos.”

(1927)